Festivalkatalog der Ruhrtriennale 2023

Thema, das ich von unterschiedlichen Seiten zu beleuchten,
über das ich verschiedene Geschichten zu
erzählen versuche. Hier ist es die Mine, davor hatte
ich etwas über Roboter gemacht, oder einen Abend
über Überwachung und Kontrolle. Das sind alles Themen,
um die ich mich dann drehe. Doch alles, was
Musik, Klang oder Video betrifft, ist am Anfang unabhängig.
Jedes Ding hat sein eigenes Leben. Daraus
versuche ich, eine Vielstimmigkeit zu erzeugen. Es ist
also etwas völlig anderes, als eine lineare Geschichte
zu erzählen. Und letztlich ist es das Publikum, das
zur Erzählung wird, denn es macht die Geschichten.
Ich gebe nur die Elemente vor. Oft erzählen mir
Leute nach einer Vorstellung, dass sie an demselben
Abend ganz unterschiedliche Dinge erlebt haben.
Das macht mich sehr glücklich.
Sie selber haben Ihr Schaffen einmal als »faire musique
de tout« (Musik aus allem machen) bezeichnet. Was verstehen
Sie darunter?
Das ist keine Erfindung von mir. Es ist die Idee, dass
Musik auch eine visuelle Komponente hat. Das heißt,
dass Gesten – wenn sie in einer musikalischen Zeit
stehen – selber zu Musik werden, und dass schließlich
alles, was sich innerhalb dieser Zeit befindet,
zu Musik werden kann. Das ist wie im Theater, wenn
man eine theatrale Zeit einrichtet. Und für mich steht
das Theater immer auch in einer musikalischen Zeit,
einer Zeit, in die man Ereignisse eintragen kann. Musiker:innen
oder Sänger:innen oder Schauspieler:innen
können für eine kurze Zeit zu einer Figur werden,
auch nur für ein paar Sekunden. Und dann machen
sie etwas anderes, weil die Musik ihnen das vorgibt.
Es geht nicht nur darum, das Instrument zu spielen,
es ist der ganze Körper, der involviert ist, die Verhaltensweisen.
Sprache und Körper, Kommunikation
und Interaktion bilden den Fokus. Man könnte sagen,
dass es wie ein Puzzle ist, dass man unterschiedliche
Momente wahrnimmt, dass zum Beispiel der Trompeter
schließlich auf eine etwas verschwommene Art
und Weise doch zu einer Figur geworden ist, ohne
dass man genau wüsste, zu welcher. Man hat eine
Idee, konkreter als gedacht, aber man kann es nicht
definieren. Es ist nicht nur der schöne Klang, der die
Musik ausmacht.
Mit der Gleichstellung von Musik, Sprache, Gestik und
Mimik öffnet sich Ihnen ein ganzes Forschungsfeld. Ihre
Stücke integrieren vokale, instrumentale, narrative und
szenische Elemente in einen einzigen Ausdrucksrahmen.
Das Musizieren selber wird zur szenischen Aktion. Wie
entwickeln Sie eine solche Produktion? Ist auch dies ein
kollektiver Prozess?
Meistens fange ich alleine an, um zu sehen, wohin die
Reise geht. Dann habe ich gesehen, dass die Zeichnungen,
die Jeanne Apergis anfertigt, sehr gut mit
der Welt funktionieren könnten, die ich mir vorstellte,
und eine Distanz zu einem konkreteren Theaterspiel
schaffen. Ich habe ihr also davon erzählt und sie
hat ein paar Versuche gemacht. Das läuft dann alles
parallel. Ich habe angefangen zu schreiben und gleichzeitig
mit Daniel Lévy über die Beleuchtung gesprochen
und mit Nina Bonardi über die Bühne. Und so
kommt alles zusammen, man trifft sich bei mir zu
Hause und arbeitet gemeinsam weiter. Jérôme Truncer
ist für das Video dazugekommen. Und natürlich war
Jean-Christophe Bailly von Anfang an dabei. Nach und
nach fügen sich dann all diese Aspekte zusammen,
während ich die Musik schreibe.
Mit dem WEGE-Projekt lässt sich im Rahmen der Ruhrtriennale
die Vielfalt des Ruhrgebiets erwandern und erfahren.
An der letztjährigen Ruhrtriennale hat der südamerikanische
Künstler Lisandro Rodriguez den Weg
zum Landschaftspark mit Fragen bepflastert über das
Verhältnis von Kunst und Bergbau, über Verhältnisse von
Macht und Natur. In seinem Projekt El Extranjero sah er
sich als einen Fremden, der Fragen stellt, um zu verstehen.
Eine dieser Fragen lautete: »Ist Kunst der neue Bergbau?«
Oft denke ich, dass die tägliche Arbeit des Künstlers
darin besteht, jeden Morgen in die Mine hinabzusteigen,
um Material nach oben zu schaffen. Jeden
Morgen nimmt man die Arbeit erneut auf, fragt sich,
was passieren, was dabei herauskommen wird. Es ist
natürlich nicht so hart und gefährlich wie in der Mine,
sozial gesehen hat es nichts damit zu tun. Aber es ist
der Grund des Schachtes, in den man hinabsteigen
muss. Es ist auf jeden Fall eine Metapher für Konzentration,
für den Versuch, in sich zu gehen, um Dinge zu
hören. Ohne sich zu betrügen, ohne zu lügen.
Der griechisch-französische Komponist GEORGES APERGHIS ist eine der prägendsten Figuren
im Bereich des zeitgenössischen Musiktheaters. In den 1970er-Jahren gründete
er in der Pariser Banlieue Bagnolet die Theatergruppe »Atelier Théâtre et Musique«
(ATEM), in der sich Musiker:innen, Schauspieler:innen und Anwohner:innen gemeinsam
der Entwicklung neuer musiktheatralischer Formen widmeten. Für sein umfassendes
Lebenswerk wurde Georges Aperghis 2021 mit dem Ernst von Siemens Musikpreis
geehrt. Das Gespräch führte der Dramaturg ANDRI HARDMEIER im Rahmen der musikalischen
Vorproben im Februar 2023 in München.
Aus dem Französischen von Andri Hardmeier.
Foto: MUTESOUVENIR | Kai Bienert
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