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Il togliere ha una componente etica: è una vera e propria scelta etica. Così la ricchezza è l’altra faccia della povertà, non il suo contrario. Si spazza via tutta la tecnologia, non per arrivare a nulla, ma per arrivare al corpo nella sua essenza. Tutti noi siamo coperti da uno strato enorme di monnezza. Così il togliere ci riguarda da vicino, non è solo cosa per gli attori. Ed è qui che si consuma “l’atto totale” che ci comprende tutti. Grotowski l’ha fatto e ha teso verso l’essenza, la vera ricchezza, e, “a quanto mi consta – conclude Ruffini – l’ha pure trovata.” Alessandra Mammì domanda a Bruno Celant: “Perché negli ’60 si genera questa esigenza di archetipo?” Celant afferma che nella nostra società si è consumato un grande strappo che ha dato attenzione e ragione all’insignificante. La rivoluzione vera non era solo nel togliere, era necessario spostare la pratica in un altro contesto per determinare un nuovo modo di vedere, una critica alla nostra società, che si opponesse a tutto ciò che è solo rappresentazione, che vale perché è ricco, che non è solo il banale pop, ma che dilaga dappertutto e che può essere facilmente descritto pensando a quello che vediamo ogni giorno in tv e fa dell’uomo solo un oggetto consumatore. Ebbene, è evidente che la tv (e ciò che rappresenta) ha vinto. Ferdinando Taviani prosegue allora la discussione conducendoci a vedere come è problematico districarsi tra le parole che indicano più visioni, che pure sembrerebbero contraddirsi. Da una parte, per l’opposizione povertà/ricchezza, si può osservare che l’Arte povera e il Teatro povero sono delle vere e proprie reazioni a due differenti opulenze che dividevano il mondo di allora: l’opulenza della ricchezza e del benessere per l’ovest, e quella della ideologia per l’est. Ma si è pure parlato della ricchezza in quanto frutto del togliere per arrivare all’essenza. Per lui l’essenza o è profumo, e si capisce che è, o va riferita al campo spirituale ed è qualcosa che riempie la bocca ma che, se si trova, non è niente. Perché per Taviani l’essenza ha significato se è l’atto di ricercare ciò che ci sfugge sempre; e questo vale per la spiritualità come per tutte le arti L’essenza allora è quella fame continua, cioè quel bisogno che muove l’artista e che lo differenzia dagli osservatori, come dice Taviani di sé e di Ruffini, che, appunto, stanno solo lì ad osservare e a raccontare il processo che l’artista compie. Fame di che cosa? Di irrealtà. Di quello che non si vede. Il resto è conosciuto. L’artista non può coscientemente vivere insieme nella realtà e nella irrealtà. Se no è semplicemente folle. E la follia è la perdita del senso d’irrealtà. Quello stesso confine che anche la tv (la solita colpevole) ci vuole far smarrire. L’artista è allora come il salmone che risale la corrente per andare all’origine delle fonti della sua arte. Ma il suo non è semplicemente un suicidio, o un atto folle, ma l’azione di passaggio del limite necessario e consapevole per fecondare la sua arte. E pensare che Pistoletto il giorno precedente aveva mangiato un salmone e allora si potrebbe parlare pure di cannibalismo. In ogni caso, anche per lui, l’ignorare è quello che mantiene vivo l’appetito, proprio pure delle scienze ed in opposizione alle verità assolute, che poco danno stimolo alla ricerca. Ludwik Flaszen porta la riflessione a considerare che, se anche Grotowski è arrivato pure a cacciare la parola teatro o la parola energia, contro i chiacchieroni, alla fine, nonostante 82
tutto, rimangono importanti proprio le parole che sempre fanno la storia sia in positivo che in negativo. Infatti per lui e la sua visione apocalittica le cose finiscono. Che cosa rimane allora? Solo alcune formule. Pensiamo per esempio a “teatro della crudeltà” o alla parola biomeccanica. Sono parole che vibrano. Ma delle esperienze vere e proprie non si avrà memoria, solo di quello che ancora le parole suggeriranno. E pensare che si è lavorato per un teatro tridimensionale! E, aggiunge Flaszen, questo tipo di considerazione potrebbe valere anche per la pittura. Forse accade anche per le stesse opere di Pistoletto quando vengono raccontate attraverso le foto di un catalogo. Un’arte che ha fuggito il quadro ritorna poi al riquadro di una foto. In effetti la comunicazione è una forma di compromesso, comunque necessaria, conferma Pistoletto, che, ora sollecitato da una domanda del pubblico, aggiunge che lo specchio è diventato il suo filo conduttore perché a affascinato dall’idea di infinità e dal dialogo tra il fisico e il non fisico. Tanti specchi si riflettono tra loro e creano l’idea di infinito. Essendo deperibili, con l’azione di romperli si moltiplica di fatto ancor di più l’infinito, diventandolo pure in senso materiale perché gli stessi pezzi di specchio si moltiplicano creando una dimensione tra il fisico e il non fisico (metafisica, metà fisica), che va ad aggiungere infinità ma pure a circoscrivere infiniti piani di realtà. Infine Celant riconduce la nuova ridefinizione dello spazio dovuto alle installazioni e alle performance a qualcosa che in ogni caso ha da imparare dal teatro, nascendo da un processo di dialogo e di partecipazione. Tanto ancora si potrebbe domandare e argomentare in questa tavola rotonda che non si vorrebbe conclusa e che, come sottolinea la sua ideatrice, Marina Fabbri, rimane una discussione aperta e da approfondire. L’immagine: M. Pistoletto, Venere degli stracci, 1967 Commenti a: "Appunti di pellegrino/1 – Suggestioni da preservare ad una tavola d’eccezione | di Carlo Gori" #1 Commento: di laura il 18 dicembre 2009 interessante.complimenti. #2 Commento: di Carlo Gori il 21 dicembre 2009 Grazie, Laura! Articolo pubblicato su art a part of cult(ure): http://www.artapartofculture.net Copyright © 2011 art a part of cult(ure). 83
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