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ÖSTERREICH JOURNAL NR. 121 / 02. 08. 2013 Kultur 108 Foto: Andrew Rinkhy / Kiki Kogelnik Foundation, Vienna/New York Kiki Kogelnik, Tod + Mädchen, 1975 Mit rund 130 Exponaten zeigt die Retrospektive in der Kunsthalle Krems eine ebenso repräsentative wie exklusive Auswahl von teilweise erstmals in Österreich präsentierten Werken der Künstlerin. Die Ausstellung offenbart Kogelniks Œuvre als einzigartiges Beispiel künstlerischer Autonomie und als Spiegelbild der von ihr hinterfragten gesellschaftlichen Realität „Das Thema meiner Arbeiten ist die Welt um mich – sozusagen eine Reflexion auf meine Umgebung und meine Zeit.“ Kiki Kogelnik in einem Interview mit Gabriela Fritz, 1996 Ein biografischer Abriss Kindheit und Studium in Europa (1935 -1961) Sigrid Kogelnik wird am 22. Januar 1935 in Graz geboren und wächst in Bleiburg (Kärnten) auf. Der von ihrem Bruder erfundene Spitzname „Kiki“ wird später ihr Künstlername. Nach der Matura in Klagenfurt geht Kogelnik nach Wien, wo sie ihr Kunststudium aufnimmt. Das Studienjahr 1954 beim Bildhauer Hans Knesl an der Angewandten prägt sie nachhaltig. Von den ersten abstrakten Plastiken, Fundstücken und Hangings aus Vinyl bis zu ihren späten Werkgruppen aus Keramik, Bronze und Glas wird ihr Denken skulptural bestimmt sein. Ihre ausdrucksstarken Konstruktcollagen von 1955 verraten die Beziehung zur Mitstudentin Helga Philipp, die ihren Weg in die konkrete Kunst wie Kogelnik zwischen Malerei und Objektkunst suchen wird. Die beiden sind die von Monsignore Otto Mauer entdeckten Vertreterinnen der männlich dominierten Avantgardegruppe um die Galerie nächst St. Stephan. Nach Ausstellungsbeteiligungen ab 1955 hat Kogelnik 1961 dort ihre erste Personale. 1956 wechselt sie an die Akademie der bildenden Künste zu Albert Paris Gütersloh, wo sie auch an dem legendären Abendakt von Herbert Boeckl teilnimmt. Der psychisch-physische Automatismus des Informel, das zu dieser Zeit von Markus Prachensky über Georges Mathieu in Wien vermittelt und von ihr, Maria Lassnig und Arnulf Rainer aufgenommen wird, ist ihr näher als die objektive Geometrie der Op-Art. Auf eine Phase der Fingermalerei folgen eigenwillige Experimente, die von der École de Paris und wenig später vom abstrakten Expressionismus eines Willem de Kooning beeinflusst sind. Bereits 1957 bezieht Kogelnik figurale Elemente wie etwa Totenköpfe und zwei Jahre später auch Frauenfiguren, Hexen und Landschaftsimpressionen mit ein. Im frechen Einsatz dieser Motive steht sie der losen Gruppierung der Wirklichkeiten, vor allem der Malerei Martha Jungwirths, nahe. Im Jahr ihres Diploms, 1958, reist sie nach Paris, London, Dublin, Rom und Norwegen. Sie mixt auf Papier Landschaftseindrücke mit avantgardistischen Tropf- und Rinnspurenelementen. Zufall und Spontaneität rücken sie in die Nähe der zu dieser Zeit führenden Position des deutschen Tachisten Wols, stellen aber auch Bezüge zur Antimalerei der Aktionisten Otto Muehl und Günter Brus oder von Arnulf Rainer und Alfons Schilling her. 1959 lernt sie in Paris César, Joan Mitchell, Kimber Smith und Sam Francis kennen, mit dem sie 1960 erstmals und 1962 endgültig nach New York übersiedelt. Auf die Phase des Suchens zwischen gestischer Handschrift und figuraler Andeutung folgen 1961 schwebende Reihen und Raster von Punkten; es formieren sich bunte Frauenfiguren, Skelette oder Totenköpfe, die bald mit Raketen schwerelos durch den Bildraum flottieren. Kurze Zeit bleiben Bezüge zu Willem de Kooning sichtbar, bevor Kogelnik mit der „Space-Art“ eine völlig eigenständige Variante der Pop-Art entwickelt. Die Etablierung in New York (1962 -1969) In New York, zu dieser Zeit Welthauptstadt der Kunst, wird der abstrakte Expressionismus durch die Pop- Art von Kogelniks Ateliernachbarn Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg und Andy Warhol abgelöst. Interessanterweise nützen neben ihr nur die europäisch geprägten Künstler Jim Dine und Warhol die Motive Totenkopf und Herz in ihren Werken. Kogelnik jedoch ist es, die diese Motive in Amerika vorwegnimmt, während das Motiv der „dots“ – als Charakteristikum der analogen fotografischen Technik – parallel mit Lichtensteins Bildern oder Werken der Aktionistin Yayoi Kusama eingesetzt wird. Oldenburg, der Kogelnik wegen ihrer Selbstinsze- »Österreich Journal« – http://www.oesterreichjournal.at
ÖSTERREICH JOURNAL NR. 121 / 02. 08. 2013 nierungen mit Anzügen und Hüten als ein „walking work of art“ bezeichnet, erfindet die Alltagsmotive darstellende „soft sculpture“. 1963 nutzt Kogelnik Alltagsgegenstände und leere transparente Verpackungen von Lebensmitteln oder anderen Waren, um daraus roboter- und raumschiffähnliche Skulpturen zu konstruieren, etwa den Kunstroboter Loverboy und das von der Decke hängende Spaceship, die beide leider nicht erhalten sind. Der öffentliche Raum wird als Ergänzung zu ersten Ausstellungen in der New Yorker Fischbach Gallery genützt; präsentiert werden Zwitterwesen zur Mode, Assemblagen aus Plastik mit Schläuchen, Metallfolien und Spielzeugteilen, aber auch die 1962 entdekkten Bombenhüllen aus Armeebeständen in bunter Verfremdung. 1964 zeichnet Kogelnik, angeregt von Mexikoreisen, mit schwarzer Tinte eine wilde Gruppe von Azteken, die den 20 Jahre später entstehenden Graffiti von Keith Haring ähnlich sind. 1965 kommt sie mit dem Denken der Nouveaux Réalistes in Berührung und überschreitet die Grenze zwischen Theater und bildender Kunst, als sie im Jewish Museum New York in dem Stück The Tinguely Machine Mystery mitspielt. 1966 beteiligt sie sich an einem Theaterstück von Jean Dubuffet, das im Rahmen seiner Retrospektive im Guggenheim Museum aufgeführt wird. 1966 heiratet Kogelnik den Strahlenonkologen George Schwarz und benutzt für ihre Gemälde von künstlichen Menschen seine wissenschaftlichen Stempel, auch das Strahlen und die Durchsicht des Röntgens finden Eingang in ihre Kunst. Nach einem Englandaufenthalt und der Arbeit an Fiberglas- und Schaumgummiskulpturen wird 1967 in London der gemeinsame Sohn Mono geboren. In diesem Jahr findet in Wien vor der Ausstellung in der Galerie nächst St. Stephan auch die Straßenaktion Kunst kommt von künstlich mit Hangings und Schaumgummiskulpturen an einer Wäscheleine statt, und selbst in New York trägt Kogelnik „body parts“ aus Schaumgummi durch Manhattan. Ihre Space-Art (1962-1969) zeigt die große Begeisterung für den schwerelosen Weltraum, Raketen und andere technische Errungenschaften, wobei die neuen Menschen, die als Robots durch ihre Malerei und Grafik schweben, teilweise von schwarzen Skeletten mit Sonnenbrillen begleitet werden. Der Tod wird in dieser heiteren Atmosphäre bunter außerirdischer Welten zum Leben animiert. Im Sinne der Peace- Bewegung (neben Yoko Ono, Nam June Paik oder Foto: Andrew Rinkhy / Kiki Kogelnik Foundation, Vienna/New York Kultur Kiki Kogelnik, Leda With Swan, 1978 Charlotte Moorman) transformiert Kogelnik Bomben zu friedlichen Kunstwerken. Ab 1962 entstehen aus Packpapier und Vinyl ausgeschnittene Umrisse von Freunden und Bekannten - die sogenannten Cut-outs. Über einen Kleiderhaken oder eine Wäscheleine gehängt, wandeln sie sich zu flachen Skulpturen, genannt Hangings (ab 1967). Die vermeintlich unpolitische Begeisterung für Großstadtleben und technologischen Fortschritt wird durch einen Vietnam Room (1970) mit Hangings in Tarnstoffmuster durchbrochen; kritisch hängt die Künstlerin auch Präsident Nixons Kopf verkehrt zu Körperteilen an eine Wäscheleine. 1970 zieht sie in ein neues Atelier in SoHo und präsentiert eine Siebdruckmappe der Hangings. Ähnlich wie Kleider für Anziehpuppen schneidet sie Umrisse aus, auch darin wird ihr erst 1975 Cindy Sherman mit Doll Clothes folgen. Auf die Leinwand übertragen und von Farbe in Sprühtechnik in helle Schatten transferiert, bleiben die Klebestreifen dieser Hüllen sichtbar, während die Astronautinnen schweben. Die Vinylobjekte werden an fahrbare Kleiderständer gehängt und manche zeigen als typische Vertreter der damals gerade aktuellen Body-Art ein Innenleben mit Knochen, Organen, Nerven und Blutbahnen. 1969 schließt das Moonhappening mit einer spontanen Bearbeitung von Siebdrucken parallel zur Landung von Apollo 11 auf dem Mond die Phase der öffentlichen Happenings in der Galerie nächst St. Stephan ab. Zwischen New York und Europa (1970 -1997) 109 Ab 1970 entstehen im neuen Atelier zu den Cut-outs nach bestimmten Personen »Österreich Journal« – http://www.oesterreichjournal.at
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Ausg. Nr. 121 • 2. August 2013 Un
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