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092 Probefahrt 1000 Robota Hamburg brennt Tapete / Indigo Als greiser Pop-Opa innerlich schon längst bereit, seine Memoiren zu schreiben, blickt man ja eher neidisch auf das junge Gemüse, das noch nach den Sternen – oder einfach mal ordentlich in die Saiten – greift. Und dann kommt immer wieder diese Waschlappenprosa mit unmotiviertem Geschrammel aus den Boxen. Unweigerlich denkt der Opa an Justus Jonas und Schwimmflügelchen, kehrt die Langeweile untern Teppich, erträumt sich halluzinogenes Gnadenbrot und hört die neue Santogold an. Die nicht ganz volljährigen 1000 Robota klingen dagegen gleich auf sehr zeitgenössische Weise nach 1977, wo der Opa herkommt. Die drei Jungs mischen mit den paar Songs ihrer superreferenziell »Hamburg brennt« betitelten Debüt-EP dessen greisen Kulturpessimismus gehörig auf. Bevor es in D-Land jemand gemerkt hat, sind sie ähnlich wie Mit schon in England angekommen – kein Wunder, wo ihre zwischen Gang Of Four zu Entertainment-Zeiten und frühen Abwärts- Spiralen sägenden Gitarren über Punkdubbigen Basslines mit den gedoppelmoppelten Agit-Vocals doch mehr nach Arbeiterklasse als nach Klassenarbeit klingen. Dabei raunt der Songtitel des eröffnenden Stücks so wunderbar ernst, so verbissen ernst, wie man eine Platte mit fünf Liedern drauf halt nehmen sollte: »Es geht nun mal um etwas.« Das hört sich für den Opa so an, als wären die Lümmel gerade in den Krieg gezogen, aus dem er vor Jahren schon zurückgekommen ist. Wolfgang Frömberg 18th Dye Amorine Queen Crunchy Frog / Cargo So ging Internationalität vor Web 2.0: Das deutsch-dänische Trio 18th Dye war Anfang der 90er als so ziemlich einzige deutsche Indie-Band eine Nummer im Ausland. Sie spielte Peel-Sessions, veröffentlichte auf dem New Yorker Label Matador, nahm Platten mit Steve Albini auf und spielte Tourneen mit Yo La Tengo oder Stereolab. Ultra-effizientes Networking also, an dessen Nachahmung sich deutsche Bands auch Jahre später noch meist vergebens versuchten. Folgen der Weltenbummler-Ambitionen: Amerikanische Bekanntschaften hauchen den Bandnamen nicht selten heute noch als dritte coole Deutschland-Referenz nach Kraftwerk und The Notwist in die kalte Nacht. Hierzulande kennen 18th Dye hingegen nur noch Altvordere und Eingeweihte. 18th Dye beginnen gut zehn Jahre nach ihrer Auflösung mit ihrem neuen Album so faktisch bei Null. Dabei knüpft »Amori- Elbow HERRENPERLENKETTE Was kann man schon erwarten von einem neuen Elbow-Album? Nach einem halben Leben, nach 17 Jahren Bandgeschichte, nach Höhen und Tiefen? Ein Meisterwerk! D ie musikalische Welt des verschworenen Haufens um Sänger Guy Garvey bleibt so einzigartig wie herausragend. Unter einer unschuldigen Oberfläche, hinter stoischen Drums, hupenden Bässen, sich selbst spiegelnden Klavieren und verhallten Gitarren ziehen die herrlichsten Arrangements vorbei, die in einem Bandkontext vorstellbar sind. Streicher, Bläser, Geräusche, Gospels, Räume: So selten fühlt man Musik in jeder körperlichen Dimension. So sehr überwältigt es, wenn es passiert. »The Seldom Seen Kid« ist kein Konzept-Album, nicht im klassischen Sinne. Der Tod von Freund und Songwriter Bryan Glancy (der Titel des Albums ist sein Spitzname) hat das Leben der Band in den vergangenen zwei Jahren zwar nachhaltig beeinflusst, jedoch nicht durch und durch bestimmt. Es gab auch Nachwuchs, neue Lieben, Probleme mit der Plattenfirma ... »Wir waren sicher nie düsterer«, sagt Gitarrist Mark Potter. »Aber es gibt auch Licht auf diesem Album: Nostalgie, Aufbruch und Optimismus.« Orchestrales Zentrum ist »The Loneliness Of A Tower Crane Driver« – ein Monster mit atemraubender Dramaturgie. Drum herum kreist ein knappes Dutzend glitzernder Perlen, die sich in der Entstehung be- ne Queen« nahtlos (und kaum überraschend) an früher an: Im Midtempo-Noise geben sich Heike Rädeker (remember: Wuhling) und Sebastian Büttrich das Mikro in die Hand, man lärmt und schummert sich durch die Comeback-Revue. Ein behagliches Songnest für vor dem JuZe- Kamin. Oft zwingend (»Song For Helen«, »Soft The Hard Way«), mal etwas weniger, immer aber erbaut auf ein sehr eigenes Bezugssystem in Sachen Ansprache, Sound, Melodie. Schön, dass ihr wieder da seid, 18th Dye. So zeitlos/unzeitgemäß ihr 2008 auch klingt. Bitte ankreuzen. Felix Scharlau Erykah Badu New Amerykah Universal »New Amerykah. Part One (4th World War)« – sowohl der Titel als auch das eingebaute Wortspiel sind angemessen großkotzig, ambitioniert, hirn- rissig, clever, nervig und genial für diese Platte, das direkt mal vorweg. Ganz schön viele Adjektive für einen ersten Satz, aber irgendwie muss man wohl den Ausnahmecharakter herausstellen, den diese Platte tatsächlich innehat, den vor allem aber diese Frau immer noch darstellt. Denn das habe ich fast schon nicht mehr zu hoffen gewagt. (Wer mich jetzt einen ahnungslosen Trottel schimpft, möge sich in aller Ruhe noch mal das piefige Gejamme auf »Worldwide Underground« von 2003 antun. Also wirklich.) Zweifelsfrei schwingt sich Badu auf diesem Werk, dem schon in diesem Jahr der zweite Teil folgen soll, zu einer Art Quincy Jones der Jetztzeit auf: Sie versammelt eine Handvoll Producer-Großbegabungen (Madlib, Sa-Ra Creative Partners, 9th Wonder) um sich, gemeinsam wird Neo- Soul lässig verabschiedet. Stattdessen wird der Funk aus krustigen Beatgerüsten gewrungen, die Strukturen eiern um sich selbst, in ewiger Repetition mitten hinein dingt haben. Ein Song kam zum anderen – keine Liedsammlung, eher ein aufrichtiges Tagebuch. Gesungen von einer Seele: Guy Garvey umarmt mit seiner Stimme, meistens herzlich, immer anrührend. Er singt Refrains, die niemals enden dürfen. »I have an audience with the pope. And I’m saving the world at eight. But if she says she needs me, everybody’s gonna have to wait.« Vor einigen Monaten hatten Elbow angekündigt, das aktuelle Album werde ihre letzte »physische« Veröffentlichung. Sonst geht es aber weiter: »Die Idee, als Band gemeinsam alt zu werden, ist doch romantisch«, schmunzelt Potter. »Ich hoffe nur, dass unsere Freunde ihr Versprechen halten und uns sagen, wenn die Zeit kommt ...« Christian Wessels PS: In England ist »The Seldom Seen Kid« auf Platz 5 eingestiegen, Elbows bisher höchste Charts-Platzierung. Die UK-Ausgabe des Albums glänzt mit »We’re Away«, einem wunderschönen Bonus-Track. Für 2008 ist außerdem eine B-Seiten-Sammlung angekündigt. Elbow »The Seldom Seen Kid« (Fiction / Universal) in die Zeitlosigkeit. Von Störgeräuschen und erdschweren Bässen umtost, schlängelt sich allein Badus nie ganz reines Organ durch die Tracks und erzählt in verknappten Bildern vom düsteren Zustand dieser Welt. Dass in einem mittlerweile so verschnarchten Genre wie R’n’B noch mal ein derartiger Innovationsschub stattfinden könnte – wer hätte es geahnt? Heiko Behr Blaktroniks Mechanized Soul Rubaiyat / Phazzadelic / Groove Attack In einem Intro-Interview vor sechs Jahren beschieden Blaktroniks dem Autor Jochen Bonz via E-Mail klipp und klar: »Sicherlich kannst du jede Menge Vermutungen über unsere Kultur anstellen, aber du bist dabei außerhalb und schaust nur herein.« It’s a black thing you wouldn’t understand. Ich unterstelle jetzt mal: Das war gar nicht konfrontativ
gemeint. Der Satz bringt nur die unüberbrückbaren Widerstände auf den Punkt, wenn es darum geht, als weißer Europäer die afroamerikanische Situation zu verstehen, das Ausmaß der Unterdrückung zu begreifen, alle Implikationen wirklich zu durchdringen. Das ist nämlich: unmöglich. Die Blaktroniks allerdings, ein Projekt aus verschiedenen Künstlern aus verschiedenen Orten, sind letztlich auch auf ihrem fünften Album um Verständigung bemüht. So weit es eben geht. Mittels Soul im emphatischsten, umfassendsten Sinne. Sie verschmelzen Deep House, D’n’B-Einflüsse, Avant-HipHop zu – Soul. Nein, das ist kein Entertainment. Den Stimmen, den Rappern, den Sängern liegt eine ernsthafte Autorität zugrunde, die z. B. einen Guru von Gang Starr auch zu mehr als nur einem MC macht. Dass die Stimme des Blues-Sängers, der der Hälfte der Tracks eine ungewöhnliche Würde und Verletzlichkeit verleiht, dem Vater des Gründungsmitglieds Edd Dee Pee gehört, macht nur Sinn. Die Stimmen stellen eine Verbindung zwischen der Vergangenheit, dem ewigen Leiden, der Düsternis und dem Heute her. Schallwellen als soulful Geschichtsstunde. Heiko Behr Bodi Bill Next Time Sinnbus / Al!ve / VÖ 16.05. Bodi Bill gehören zu den Guten. Weiß man spätestens seit ihrem Debütalbum mit dem bekenntnisreichen Titel »No More Wars«, das 2007 aus einer scheinbar besseren Welt an den heimischen Strand gespült wurde. Auf »Next Time« entfalten sie erneut ihre wundersame Hybridmischung aus Geräuschen, Samples, klassischer Instrumentierung und liebevollem Programming. Die Übergänge zwischen den beiden Alben sind fließend, die Platte wirkt wie ein legitimer Ableger von »No More Wars«. Wie zuvor finden sich also harte Kontraste: Nüchternheit und synthetischer Clubsound (»Small Sorrows«, »Great Songs«) versus zarte Melodien in aufrichtiger Verzweiflung (»Henry«). Am besten sind Bodi Bill aber da, wo sie es schaffen, Klavier und Electronica mühelos und unaufgeregt zu kreuzen, wo der Laptop als gleichwertiges Instrument zwischen den Streichern gespielt wird. Dann ergibt sich gespenstische Schönheit wie in »Tip Toe«, die an Goldfrapp zu »Felt Mountain«-Zeiten erinnert. »Depart« überrascht schließlich mit einem weiblichen Gesangspart in R’n’B-Tradition. Langeweile ist anders, aber was ist das eigentlich, das hier entsteht? Poesie? Zumindest schon mal vortrefflicher Pop; immer eindringlich, immer verbindlich und mit Hingabe. Ob man sich durch das enorme Maß an Sendungsbewusst- sein am Ende erdrückt fühlt, soll jeder selbst entscheiden: Da ist die Rede von Verantwortung und Notwendigkeiten und dem Versuch, die Welt zu retten. Ich halte mich lieber an textlich amüsante Kapriolen wie »You don’t like Sonic Youth, so fuck off« vom Vorgängeralbum. Die finden sich auf »Next Time« leider nicht; so was ist aber auch schwer zu übertreffen. Tina Mamczur Camille Music Hole Virgin / Emi Wer im französischen Musikgeschehen nicht so drin ist (das dürften bei diesem quasi Parallelmarkt wohl die meisten sein), dem ist Camille Dalmais vielleicht trotzdem vom Cover-Projekt Nouvelle Vague bekannt, wo sie unter anderem den Interpretationen von »Too Drunk To Fuck« und »Making Plans For Nigel« ihre Stimme lieh. Nebenbei hat sie mit ihren ersten beiden Platten zwischen a cappella und Chanson in Frankreich einige Lorbeeren geholt und will nun auch im anglophilen Ausland mit einem, tja, englischsprachigen Album Entzückung abräumen. Wobei die Sprache eher eine untergeordnete Rolle spielt, denn wie gesagt: Madame Dalmais macht (bis auf einige kleine Klavierbegleitungen und dezente Field-Recordings) alles mit den Stimmbändern. Grunzend, trällernd, kieksend, hauchend, schnalzend, scattend und seufzend schichtet sie Vocal- Spur über Vocal-Spur, bis die Songs komplett sind, die in etwa so exzentrisch in den E-Musik-Bereich rüberhängen wie Tori Amos und Björk. Dort findet man so was aufgrund der zur Schau gestellten technischen Versiertheit und der – mon dieu! – kessen Art natürlich überaus herzallerliebst. Aber da ist mehr: ein sehr sympathischer Humor und deutliche Versuche, auch dem aufgeschlossenen Pop-Publikum zu gefallen. Dies wird darüber hinaus mit einigen tatsächlich guten Songs im klassischen Sinne belohnt. Zudem werden aus einem riesigen Klangkosmos heraus tolle Geräusche und witzige Wortverdrehungen zutage gefördert. Auf »Cats And Dogs« wird zum Beispiel schön geknurrt und miaut, und in »Money Note« entsteht aus dem endlos wiederholten »ritch bitch« plötzlich eine Hihat. Das macht auch ohne Theater-Abo und Stola großen Spaß. Klaas Tigchelaar Isobel Campbell & Mark Lanegan Sunday At Devil Dirt Coop / Universal Die Lanegan-Festspiele gehen diesen Monat im Intro weiter. Denn kurz nach der dessen Heldenvereinigung mit Greg Dulli als Gutter Twins steht die nächste Kollaboration auf dem Releaseplan, dieses Mal das zweite Album zusammen mit der alten Belle&Sebastian- Chanteuse Isobel Campbell. Während die Gutter Twins in den Relationen Lanegans ein arbeitsaufwendiges und nervenaufreibendes Mammutwerk gewesen sein dürften, hat er es sich für »Sunday At ...« leichter gemacht und mal wieder einfach nur gesungen. Das kann er ja auch besonders gut, das wissen mittlerweile sogar die tumbsten QOTSA-Hooligans. Ein bisschen wirkt das zweite gemeinsame Werk von Campbell und Lanegan so, als ob sie den Rick Rubin für ihren Johnny Cash geben wollte, als ob sie dafür sorgen will, dass seine nach wie vor beeindruckende Reibeisenstimme auch in ausreichendem Maße für die Nachwelt dokumentiert wird. Die ausnahmslos von Campbell geschriebenen Songs sind zumeist karg instrumentiert und oft klassisch arrangiert, abgesehen von ein paar Soundeskapaden der bekannt extrovertierten Künstlerpersönlichkeit Campbell ist fast alles der hier vergleichsweise facettenreichen Stimme Lanegans untergeordnet. Die zeitliche Nähe zum Gutter-Twins- Release wirkt sich für »Sunday At ...« etwas nachteilig aus, denn neben dem beeindruckenden Rock-Opus kommt die vergleichsweise brave Folkplatte nicht richtig zur Geltung. Ein besonderer Grund für eine künstlerische Zusammenarbeit der beiden SängerInnen erschließt sich zudem auch nicht, einen expliziten Mehrwert erreichen die Duette der beiden jedenfalls nicht. Bleibt das Cash-Motiv. Und das ist ja durchaus ehrenwert. Ich war erstaunt darüber, dass ihr noch mal ein Album zusammen gemacht habt. Die Organisation muss ziemlich aufwendig gewesen sein. Wann habt ihr euch entschieden, wieder zusammen zu arbeiten? Isobel Campbell: Das kann ich verstehen. Ich wundere mich auch immer wieder, das noch mal auf mich genommen zu haben. Aufgrund von Marks Problemen hatten wir keine Gelegenheit, zusammen Shows zur ersten Platte zu spielen. Sie kam im Januar 2006 heraus, und erst ein Jahr später traten wir das erste Mal gemeinsam auf. Diese Shows liefen so gut, dass eine weitere Zusammenarbeit logisch schien. Sie waren so großartig, dass das völlig folgerichtig war. Wie lief die Produktion denn ab? Ich habe im Februar 2007 angefangen, die Songs zu schreiben und zu arrangieren. Dann kam Mark für neun Tage nach Glasgow, um die Songs einzusingen. Danach bin ich in die USA gereist, um die Platte fertigzustellen. Dort habe ich Mark aber nicht mehr getroffen. Wie entscheidest du, welche deiner Songs für deine Soloplatten sind, wel- Probefahrt 093 che für eine Platte mit Lanegan oder für etwas ganz anderes? Die Songs sagen mir, wofür sie bestimmt sind. Sie machen mir deutlich, welcher Rahmen für sie der beste ist. Christian Steinbrink Destroyer Trouble In Dreams Rough Trade Dan Bejar a.k.a. Destroyer ist nicht nur ein anregend verwirrender Charakter, er hat in seiner beachtlichen und in letzter Konsequenz nicht wirklich erforschten Diskografie auch schon einige visionäre Irrwege genommen und ist nicht erst jetzt, mit seinem aktuellen Album »Trouble In Dreams«, bei mit multiplen Reizen und einigen Deutungsebenen ausgestatteten, entrückten Breitwandpop zwischengelandet. Die Zeiten minimalistischer Klangforschung hat Bejar hinter sich gelassen, die seit dem Albumvorgänger »Destroyer’s Rubies« aufgemachte Zielvorgabe ist irgendwie US- Indie, aber nicht nur, denn auch eine expressionistische, reizvoll bis zum Overkill wirkende Ansprache. Das Album ist durchgehend großartig, fordert vom Hörer alles. Musikalisch rekurriert Bejar auf bedeutungsschwangere Stimmungen von Bowie bis hin zu den Flaming Lips, textlich sind die von ihm aufgemachten Bilder surreal, breit und undurchsichtig fabelhaft, immer auch humorig, nicht aber ironisch. Die Deutungshoheit über dieses Werk, Platte wie gesamt, wird zumindest zeitgenössisch niemand erlangen. Und das hält den unvergleichlichen Reiz dieser Musik am Leben. Fragt in 20 Jahren noch mal die dann klügsten Popkritiker, sie werden Destroyer verehren und mit Sicherheit auch eine dann sehr schlüssige Bandgeschichte in mehreren Akten zu erzählen haben. Aber hier und heute? »You always had a problem flowing down rivers.« Christian Steinbrink dEUS Vantage Point V2 / Universal Tom Barman wirkt wie ein Maniker. Man könnte an ihm ganz wunderbar und exemplarisch die alte Rechnung von Genie und Wahnsinn aufmachen. Was die Musik angeht, war ich immer froh, wenn er sich und seine stark fluktuierende Band im Griff hatte, wenn er ein Gleichgewicht herstellen konnte: Ich persönlich mag »The Ideal Crash« in der Breite lieber als »In A Bar Under The Sea«. Und ich mag »Vantage Point«, sehr sogar. Barman, mittlerweile 35 Jahre alt, hat in seiner Heimatstadt Antwerpen zusammen mit Freunden ein Studio gleichen Namens gebaut. Ein Refugium, ein Tummel- ≥
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Aldrei Fór Ég Suður Festival, 22
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Du bist schwanger Baby, Baby Wie wi
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