Katalog/Catalogue - deutsch/englisch

Fig. 9 Yutaka Sone
Installationsansicht Travel
to Double River Island, 2002
Fig. 9 Yutaka Sone
Installation view of Travel
to Double River Island, 2002
oder Radikalisierung der dynamischen Spiralen der Jomon-Keramik.
Anfang der 1970er Jahre, im Anschluss an die Weltausstellung in
Osaka, begannen die Künstler der „Monoha“ („Schule der Dinge“)
wie Nobuo Sekine, Kishio Suga und Jiro Takamatsu ihre Aktivitäten
zu entfalten. Der Beginn der „Monoha“ hat auch für die Betrachtung
der japanischen Wahrnehmung in ihren Veränderungen und Traditionen
eine tiefe Bedeutung. Die Künstler der „Monoha“ einte nicht
die Suche nach den visuellen Qualitäten eines Mediums, sie wollten
vielmehr über das taktile Erleben und die Materie selbst den Zustand
der menschlichen Wahrnehmung enthüllen. Unter Schlagworten wie
„Vom Objekt zur Beziehung“ oder „Vom Materiellen zum Immateriellen“
wollten sie über bestimmte, festgelegte Handlungen oder Alltagsgegenstände
den Zustand der Welt darlegen und über die Beziehung
von Materie und Geist die erfahrbare Realität hinterfragen. Es war die
Gruppe der „Monoha“, die damals die unbewussten Voraussetzungen
unserer Wahrnehmung einer Überprüfung unterzog und aufzeigte,
dass sich auch die Schnittstellen des Empfindens mit dem Fluss der
Zeit verändern.
Tadashi Kawamata hat seit Ende der 1970er Jahre durch Projekte,
in denen er unter Beteiligung zahlreicher Helfer Wohnanlagen, Kirchen
oder Krankenhäuser mit Bauholz und Brettern umgab, international
auf sich aufmerksam gemacht. In letzter Zeit begann er, sich vermehrt
mit gesellschaftlichen Randgruppen auseinander zu setzen und sich
in Form von Kunstprojekten und Selbsthilfegruppen direkt für Probleme
wie Krankheit, Diskriminierung und Verfolgung zu engagieren.
In seinen Work-in-progress-Projekten werden aber auch Fragen nach
Zeit und Gedächtnis in Japan immanent angesprochen. Kawamata
erachtet den gesamten Prozess der Herstellung als ein Projekt.
Er ordnet seine Werke keiner bestimmten Kategorie zu, sondern
sieht sie als variable, bewegliche Gegenstände, deren provisorischer
Charakter ihm besonders wichtig ist. Diese Auffassung mag mit
der japanischen Sichtweise der menschlichen Existenz zu tun haben,
die das Leben als „vorläufige Wohnstätte“ („kari no yado“) ansieht.
Seine Bretterbauten, die er im Dialog mit der ortsansässigen Bevölkerung
errichtet, bringen jene Zeit zurück, die im „Raum der Geschwindigkeit“
verloren geht, und lagern sich schichtweise zwischen die
Gedanken. Kawamata behauptet, dass gerade jene Probleme, die
tief mit einer bestimmten Region verbunden sind, auch einen internationalen
Aspekt beinhalten können. Diese „inter-localisation“ (ein
Kompositum aus „international“ und „local“) weist auf eine auch für
die künftigen Beziehungen zwischen Japan und der Welt bedeutende
Sichtweise hin.
Im Gegensatz zu Kawamata sind die Plätze und Regionen von Yutaka
Sone Orte, die es nirgendwo gibt. Nach seinem Architekturstudium
On into the 1980s, his Seascapes (begun in 1980)
framed almost featureless expanses of nothing but
sea and sky divided in the middle by the horizon
line, the only variation between images coming from
the hour and weather on the day of the shoot. The
subtle differences created by such natural factors
as air density, sea conditions and light diffusion
grab the imagination with their fleeting ethereality:
the ineffable vacillations of the sea and sky, momentary
atmospheric changes and wave patterns all
woven into the image, memory upon memory. There
no longer exists any clear focus or photographic
point of view, but rather only a vast expanse of
waves melting into air. In his more recent Sea of
Buddha, 1995, a photographic frieze of the famous
1.000 bodhisattva statues of Sanjusangen-do in
Kyoto, Sugimoto continues his pursuit of specific
time and more far-ranging memory, tracing as in
all his black-and-white oeuvre the underlying ancient
strata of Japanese perception.
Or again, his recent series Étant Donnée: Le Grand
Verre is an homage to Marcel Duchamp‘s musings
on the fourth dimension, photographed from the
University of Tokyo‘s collection of antique plaster
models of mathematical formulae, the dynamic highlights
and shadows of their strange twisted forms
like heightened abstractions of the spirals of Jomon
pottery.
Soon after the Osaka Expo 70 in the early 1970s,
“Monoha” artists Nobuo Sekine, Kishio Suga, Jiro
Takamatsu and others began creating works that
shed considerable light on the shifting contexts of
Japanese perception. These “Monoha” artists found
their medium not in visual qualities, but in actual
physical sensations and materiality itself – their
common thematic element in transcending material
things to create conditions that might lay bare human
perception. Under the banner of such aphorisms
as “From material object to relationship” and “From
material to immaterial”, they sought by means of
set acts and items of daily use to expose the world
in its essential being, to question anew the reality
of experience at the phenomenological intersection
of matter and mind. This was thus the era for the
“Monoha” to rethink the tacit bases that premise