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connaître le cinéma expérimental en en facilitant
la diffusion. Dans de bonnes conditions,
la numérisation peut aussi, dans une certaine
mesure, contribuer à la conservation d’œuvres
dont il n’existe qu’un faible nombre de copies.
Par contre, envisagé comme remplacement
du film pellicule, le numérique sape l’espritmême
d’un cinéma ultra-versatile, où tous les
supports et tous les procédés ont une valeur
en tant que tels parce qu’ils déterminent des
pratiques, et donc des œuvres spécifiques :
les films présentés dans Free Radicals (films
réalisés sur pellicule 8 mm et 16 mm principalement)
n’auraient pas pu être réalisés sur
d’autres supports. De manière plus générale,
l’avènement du numérique (avec sa logique de
convergence des médias, ses nouveaux modes
de reproduction et de distribution) a créé autour
du cinéma dans son ensemble un état de crise,
et cet état de crise engendre au sein du monde
des arts – qui avait jusqu’ici dédaigné le
cinéma expérimental – un intérêt soudain.
Musées et galeries s’attachent désormais à
étoffer leurs collections d’œuvres filmiques,
tandis que la création artistique contemporaine
recycle les techniques élaborées par les
cinéastes expérimentaux. Le risque, c’est la
récupération de procédés de création accessibles
à tous au profit de pratiques auteuristes
et exclusives, et la transformation d’un
corpus destiné au plus grand nombre en objets
raréfiés, et donc commercialement viables.
“C’est horrible”, commente sans ambages
Kubelka en évoquant cette possible dérive. Un
projet comme celui de Chodorov, par lequel le
cinéma expérimental, dans l’esprit de l’Anthology
Film Archives, construit sa propre histoire,
préserve sa propre mémoire, est donc essentiel.
Le travail d’historien du cinéma qu’il réalise
avec ce beau docu-journal évite d’ailleurs toute
tendance à la muséification, et cela d’autant
plus facilement que son sujet s’y révèle complètement
réfractaire : ainsi le Free Radicals
de Len Lye, réalisé en 1958 et inclus dans le
film de Chodorov, n’a pas pris une ride. M. B.
1 Stan Brakhage, extrait de Scrapbook, Collected
Writings 1964-1980, New York, Documentext, 1982 ;
reproduit dans Le Je filmé, sous la direction
de Yann Beauvais et Jean-Michel Bouhours, Paris,
Scratch et Centre Pompidou, 1995.
2 1999, 47', Circuit Court Production.
3 Roger Odin, Du film de famille au journal filmé,
in Le Je filmé, op. cité.
4 Le Je à la caméra, in Le Je filmé, op.cité.
5 Peter Bürger, Theorie der Avantgarde, Frankfurt
am Main, Suhrkamp, 1974 (traduit par Michael Shaw :
Theory of the Avant-Garde, Theory and History
of Literature, vol. 4, Minneapolis, University
of Minnesota Press, 1981-1998).
alchimies sonores
Pour retracer l’itinéraire artistique de Charlemagne Palestine, à la fois compositeur, performeur,
plasticien, et figure majeure de la scène minimaliste new-yorkaise depuis les années 1960,
Anne Maregiano choisit les gestes du quotidien, l’entretien en voix off, la lenteur ponctuée
de silences. Un traitement austère qui contraste avec la personnalité haute en couleurs
du compositeur, comme en témoignent les archives photographiques et les extraits de films
expérimentaux qui illustrent les diverses phases de son travail. Sous une toute autre forme,
Marie Losier consacre un court au violoniste Tony Conrad ; les deux musiciens sont complices
de longue date. Par Anaïs Prosaïc.
La première partie de Charlemagne Palestine,
the Golden Sound évoque sa jeunesse à Brooklyn
où il est né (en 1945 ou 1947 selon les
sources, Charles Martin ou Chaim Moshe Tzadik
Palestine), son apprentissage du chant dans
une chorale de synagogue, avant de devenir à
16 ans, carillonneur de l’église épiscopale St-
Thomas sur la 5ème avenue à Manhattan.
Dans l’instrumentarium de Charlemagne Palestine,
le carillon occupe une place emblématique
aux côtés du synthétiseur analogique Buchla,
du grand piano Bösendorfer Imperial, et maintenant
du piano à deux claviers, le “doppio borgato”
construit sur mesure par le facteur
d’instruments italien Luigi Borgato.
Les moments forts du film sont ceux où Charlemagne
est saisi en train de jouer sa musique :
dans un vaste loft immaculé trône la machinerie
complexe du carillon, magnifique cube de métal,
mécanique de précision ténébreuse, câbles,
pédales et cloches, à l’origine de la technique
du strumming (littéralement : acte de faire
sonner des cordes, de piano, de guitare…), qui
structure toute sa musique pour piano depuis
les années 1960. Régal d’une petite pièce cristalline,
chorégraphie du jeu de mains et de
pieds, choral de cloches dont les résonances
fluctuantes enveloppent l’auditeur dans un
nuage d’harmoniques célestes… Plus tard,
dans une petite église italienne, on assiste au
déploiement du “borgato”, deux grands pianos
superposés, dont le clavier de l’un est relié à
un système de pédales. Impressionnante présence
de cet objet d’aspect surréaliste dont le
sombre verni et la riche vibration occupent
tout l’espace…
Aux commandes de ce vaisseau sonore, Charlemagne
martèle avec grâce et une extrême
concentration les différents mouvements de
From Etudes to Cataclysms. La séquence
musicale fait l’objet d’un enregistrement : le
compositeur et les techniciens évaluent les
propriétés acoustiques de l’église, tandis que
Charlemagne réécoute une prise en exécutant
une petite danse sur place. Enfin, face à un
auditoire très jeune, il partage la scène avec
son complice de longue date, le violoniste Tony
Conrad, autre légende du minimalisme, pionnier
du drone, des systèmes d’accordage
mathématiques et du cinéma expérimental.
Tous deux chapeautés façon bohème urbaine,
Charlemagne Palestine vocalise un verre à la
main, Tony Conrad virevolte, tandis que son
violon harmonise. Surgissant des fantômes de
la jeunesse – le chaman, le clown, le Quasimodo
des années 1970, ses rituels, sa folie,
parfois sa violence… – ces vieux messieurs
aussi débonnaires qu’excentriques cachent
sous leurs clowneries kitch une esthétique et
une pensé de la radicalité dont l’influence
hante les milieux artistiques depuis plus de
vingt ans.
scène protéiforme
La musique des minimalistes des années
1960-70, oubliée dans les années 1980 (mis à
part celle des “répétitifs”, Phil Glass et Steve
Reich), a été reconnue par les milieux académiques
et adoptée par la culture dj dans les
années 1990 : une nouvelle source de langages
musicaux pour une perception radicalement
différente de l’écoulement du temps.
Aujourd’hui, toute une génération de compositeurs
considérés comme les classiques de
l’avant-garde suscite l’enthousiasme d’un
public qui a maintenant l’âge de leurs petitsenfants
: Phill Niblock, Tony Conrad, La Monte
Young, Julius Eastman, Eliane Radigue, Charlemagne
Palestine…
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