RETROMANIA - Sentireascoltare

o Boogie Boy che gettano furbamente l’amo nelle mode
dance londinesi (gesto non plateale come nei Magnetic
Man, ma trattasi della stessa intuizione destinata al
successo).
Il versante bass storico è comunque coltivato, con Lucky
e New York City a rispolverare quelle forme già scolpite
ad arte nel My Demons di Distance. Il vero faro-guida
però continua ad essere Skream, non solo per il featuring
d’autore in Untitled ma in generale per il carattere
d’approccio alla materia dubstep: non si azzardano salti
nel vuoto ma spostamenti di rotta nel complesso contenuti,
sempre accompagnati da un’ossatura comunque
classica. Se Outside The Box vi aveva preso male per le
derive eccessive, potrete apprezzare il maggior rigore di
questo suo discendente. Ma non provate a lamentarvi
per mancanza di innovazione.
(6.7/10)
Carlo aFFatigato
Son lux - WE arE riSing (antiCon, luglio
2011)
Genere: electro-pop
Ryan Lott c’aveva messo tre anni per registrare, tutto da
solo, pezzetto dopo pezzetto, il buon debutto At War
With Walls & Mazes (2008). Ne ha fatti passare altrettanti
per dare alle stampe il seguito, e però lo ha registrato in
meno di un mese, rispondendo al ‘call of paper’ del blog
All Songs Considered del network National Public Radio,
che gli ha chiesto appunto di realizzare un intero album
in soli 28 giorni (febbraio 2011).
Detto, fatto. ‘With a little help from his friends’ My
Brightest Diamond, DM Stith e yMusic Sextet (e cioè
Antony, Sufjan Stevens - entrambi dichiarate influenze
del progetto Son Lux - e The National). Sulla carta poteva
essere un pastrocchio tremendo, ma evidentemente
i pezzi c’erano e, per una volta, la necessità è davvero
stata madre dell’invenzione: perché ne sono venuti fuori
intensi gioiellini electro-pop intrisi di romanticismo decadente
come Flickers, All the Right Things, Rising, Let Go
(con i suoi fiati giocherelloni) e Rebuild.
Questo disco (ma Son Lux più in generale) ricorda un po’
gli Sparks, capace com’è di mettere assieme con grande
equilibrio formale, pur tra mille eccessi, colore (leggi pop:
melodia e cantabilità, kitschume anni Ottanta) e dolore
(leggi teutonico: cori lirici, densità orchestrali, Nico).
Ferma restando l’antipatia che il personaggio può anche
suscitare.
(7.2/10)
gabriElE marino
Sun araW/EtErnal tapEStry - night
gallEry (thrill JoCKEy, agoSto 2011)
Genere: psych-kraut
La joint-venture che non t’aspetti assume le sembianze
di un carrarmato psych-rock delirante e notturno. Da un
lato, la combriccola di freaks psych-kraut cresciuta esponenzialmente
negli ultimi anni, soprattutto col passaggio
alla Thrill Jockey (vedi alla voce Beyond The 4th Door);
dall’altro, uno degli hypna-eroi primigeni, quel Cameron
Stallones a.k.a. Sun Araw uso a mischiare psych e deliqui
hypnagogici tra Magic Lantern e, appunto, la presente
sigla in solo.
Galeotto, per l’unione di forze in apparenza distanti -
corposi e kraut-spacey i primi, drogato e lento il secondo
- fu il festivalino Neon Comune Fest curato dalla NNF
nel 2007, in cui l’allora Magic Lantern Stallones saldò
una amicizia rinverditasi ogni qualvolta i tre di Portland
scendevano a suonare - e condividere il palco, ovvio - in
California.
L’occasione per questo Night Gallery è invece legata al
SXSW dello scorso anno, quando dopo un pomeridiano
live congiunto in un parcheggio, gli ET invitarono Sun
Araw a registrare un live in una radio studentesca. Il risultato
è in queste quattro omonimi movimenti suonati live
in circolo con i Tapestry in formazione allargata (Ryan
Carlile al sax, Yoni Kifle al basso completano il quintetto)
e Stallones a chiudere il cerchio con le volute sonnacchiose
della sua chitarra. In realtà, viste anche le forze
numericamente in campo, a prendere il sopravvento è la
psych reiterata dei primi, come nella ascensionale Night
Gallery I - lontani echi orientali pian pianino soffocati in
effluvi di wah-wah - o nella Spacemen 3 oriented Night
Gallery II. La conclusiva, fluviale Night Gallery IV dilata
ancor di più gli orizzonti dell’estemporanea formazione
abbandonandosi tra assonnate volute di fumo e sfocati
paesaggi da psichedelia orientale, mettendo in evidenza
la mano calda di Stallones. Estemporaneo quanto si vuole,
ma Night Gallery è più che un divertissement tra amici.
(7/10)
StEFano piFFEri
tarWatEr - inSidE thE ShipS (burEau-b,
SEttEmbrE 2011)
Genere: inDietronica, wave
Duo di culto fino alla metà dei Duemila su Kitty YO, fiore
all’occhiello del Morr sound a cavallo tra il 2005 e il 2007,
i berlinesi Tarwater hanno disegnato, parallelamente a
una compagine più allargata musicisti tedeschi e non,
un proprio modo di traghettare le passioni giovanili (il
post punk più elettronico, il kraut rock) alla fascinazione
techno (nonché ai lavori di sonorizzazione per cinema
e teatro) in un’indietronica visuale fatta di folk/pop/reading
e fiera germanicità. Nei Noughties hanno assistito
all’opus e al declino del genere che avevano contribuito
fortemente ad imporre e deciso di continuare per la loro
strada stoici, rilassati, seduti su un filo di depressione ma
caparbi, a loro modo entusiasti, pronti a soppesare nuovamente
l’intingolo, togliendo, dosando, aggiungendo
nuovi e vecchi elementi.
Accasati nella tedeschissima Bureau B (Faust, Kreidler,
Cluster, Roedelius...), Ronald Lippok e Bernd Jestram, coadiuvati
da un musicista Klezmer come Detlef Pegelow
conosciuto ai tempi di Ornament & Verbrechen (1980-
1983), arrivano dunque all’undicesimo album sulla scorta
di una sintesi sonora che conserva tuttora il fascino
dell’artigianato di qualità e un’indubbia weltanschauung.
Mettono tra parentesi il pop e gli spazi aperti americani
di Spider Smile, i Tarwater di Inside The Ships. Si dedicano
un suono elettroacustico maggiormente pastoso,
intarsiato di nuovi elementi “brass” apportati, appunto,
da Pegelow. Lungo la tracklist s’infilano tuba, sassofono,
tromba e trombone, tutti ottimamente trattati e fusi da
un mix che ne esalta la tattilità. Il jazz dunque, s’avvicina
alle squadre kraute, alle drum machine, ai synth e
ai vocoder e, naturalmente, alla chitarra 80s di Jestram.
Ne emergono canzoni di paciosa ma fiera retroguardia
tra le consuete cover - Do the Oz (cover di John Lennon
and Yoko Ono) e Sato Sato (prima canzone a contenere
liriche in tedesco del duo nonché adattamento di un testo
dei DAF di Alles Ist Gut) - e inediti - Inside the Ships, la
ballad wave+theremin Radio War, la residentsiana There
Never Was A Night o la notturna Place At 5 AM.
All’inizio, ovvero due anni fa, il disco doveva rappresentare
un concept, una Space Opera, poi l’idea dell’album
si è trasformata in un contenitore aperto e ricco di smalti
kraut-etno-jazzati già noti alla discografia del duo ma
approfonditi in maniera differente, lontani cioé dagli
umori trip hop di Atoms, Suns & Animals (o dalla ricerca
di un Mapstation). Quest’ultimi sono gli aspetti
più interessanti di un lavoro mediano da punto di vista
lirico (eccezion fatta per la bella Sato Sato) ma riuscito
negli excursus strumentali che, al solito, sono anche finiti
nell’ennesimo cortometraggio indipendente (The Eagle
Is Gone di Mario Mentrup and Volker Sattel).
(6.8/10)
Edoardo bridda
thE drumS - portamEnto (moShi moShi,
SEttEmbrE 2011)
Genere: pop
Odiavano la definizione di One Hit Wonder. Hanno sempre
affermato che volevano essere presi sul serio. Non
erano una band di pin up (e basta). L’idea di un’America
ossessionata dalla California e dagli anni 50, dal surf e
l’innocenza di quegli anni, era stata spontanea ma consapevole,
come pure il formato surf-pop condito con
passione vintage e amore per gli eighties, tutto curato
in ogni aspetto: dal taglio cinematico in produzione, ai
videoclip (Let’s Go Surfing), alle buffonate on stage e al
taglio di capelli.
Di converso, l’Inghilterra, come al solito ossessionata
dalle istituzioni e dai passaggi di consegne li aveva incoronati
troppo presto. A scatola chiusa, aveva comprato
90.000 delle 200.0000 copie dell’esordio di una band che
non era esattamente l’erede degli Smiths.
Melodicamente, i Drums avevano un tiro pop davvero
potente, ma vivevano di singoli e le strofe di Morrissey
erano ancora più lontane così come un futuro, all’epoca,
quantomai incerto. Ci sono state parecchie litigate. Una
defezione. Ed ora il ritorno proprio con un bel singolo,
Money, che se è il miglior trait-d’union con la solarità
dell’esordio, è anche il più diretto confronto con il Moz
che Pierce e Garham abbiano mai tentato.
Proprio in senso smithsiano, Portamento segna una svolta
più meditata e sofferta della passata formula. “erano
happy times, ora è calato l’inverno (da In The Cold)” recita
un agrodolce Pierce su testi autobiografici e un’esecuzione
che si è fatta più severa, ampliando le parti elettroniche
e variegando l’impianto.
I cambi di line up - l’abbandono di Adam Kessler e la
sua sostituzione da parte del batterista Connor Hanwick,
il passaggio di Graham ai synth, e la drum machine al
posto della batteria - hanno sicuramente condizionato
lo sviluppo di un album che è in definitiva il classico
sophomore ma anche il segno di una band maturata
che perfeziona gli equilibri e cerca nuove vie espressive.
Alla mancanza di hit folgoranti, risponde una scaletta più
omogenea, al carattere spensierato e cinematico dell’eppì,
una scrittura più solida.
I Drums non hanno perso il tocco leggero, lo hanno caricato
di una (auto)produzione più accurata, smalti postpunk
mancuniani (gli ovvi Joy Division e New Order) e
qualche fuori programma synth-kraut memore - parole
loro - di vecchi ascolti Kraftwerk e Windy & Carl.
Inaspettatamente, Portamento nel suo essere ombroso
e malinconico finisce per essere un disco riuscito, l’avvio
di una carriera di prospettive e canzoni da diario.
(7.1/10)
Edoardo bridda
108 109