RETROMANIA - Sentireascoltare

sono qui, ma prima di addentrarvici, sono necessarie un
paio di premesse: 1) dimenticate le sfuriate neo-progmetal
della casa madre e tutta la ludica follia che le caratterizzava;
2) tralasciate di concentrarvi sul suffisso
“Orchestra” perché, pur supportato da un numero indefinito
di collaboratori (fino a trenta!), questo è il progetto
in solo di Langenus; da lui parte e con lui si conclude.
Detto questo, infilarsi in questi due distinti album - non
un doppio, ma due entità distinte seppur pubblicate
all’unisono e per la stessa label - è come infilare la testa
nella terra della tradizione che più americana non si
può. Country, in primo luogo. Psichedelia, in secondo.
Diciamo un 60/30 per esprimersi in percentuali, col restante
10% sparso abilmente tra southern-rock, qualche
spruzzata jazzy, del sano r’n’r virato deserto e anche
qualche punto di weirdismi vari. Al centro del tutto c’è
sempre e solo lui, però. L’insano chitarrista dread-locked
e dal barbone rosso fuoco mostra come agire fuori dagli
steccati sia una necessità più che un mero vezzo, muovendosi
agilmente tra forme sonore che mai ci saremmo
aspettati di sentire da uno come lui. Mai sopra le righe,
mai rumorosa in senso stretto, eppure rivoluzionaria nel
suo essere ancorata ad una tradizione “altra” rispetto al
sentire musicale di Langenus. Uno che per inciso ha
trafficato con l’underground diy americano più torbido
con la Massive Distribution e che ora stravolge se
stesso tra nenie country assolate e dilatate (You Need
Sleep), desert-rock made in Meat Puppets (Paradise) o
stomp-rock tutto fiati e sudismo (Nothing To Say).
Se Good God sembra quello più regolare nelle sue forme
classiche, qualche svisata avant e qualche sperimentalismo
weird in più li rintracciamo in Infinite Ease: il rumorismo
di fondo che apre la cavalcata di Beer Can, la
psych solipsistica di Descaped, le lunghe dilatazioni di
Hold Tite e Best Thing dicono di una eccentricità da intendersi
etimologicamente come allontanamento da
un centro indefinito e, insieme, fuga verso nuovi mondi
da esplorare.
(7.2/10)
StEFano piFFEri
Comma - ViSionario (mK rECordS, giugno
2011)
Genere: cantautorato wave
Coniugare un certo gusto anglofono con la tradizione
cantautorale italiana non è mai stata cosa semplice. Il rischio
di cadere nel retorico, nel già fatto, nello scimmiottamento
o peggio ancora nel plagio, incombe sovrano.
Trovare una soluzione originale e innovativa, in questo
genere, è sempre obiettivo particolarmente difficile da
raggiungere. In questo senso Comma, all’anagrafe Pier-
paolo Mazzulla, insieme al suo alterego di penna Andrea
Orlando, ci riesce molto bene, inventandosi in Visionario
una terza via che se da un lato ha sì tanti riferimenti arcinoti
(Ivan Graziani, Mario Venuti, Moltheni), dall’altro
ha la maturità artistica di riprenderli e scriverci sopra
qualcosa che si posiziona sia su una linea di continuità
che di rottura, prendendo in prestito lo stretto necessario
per metterlo in mostra alla giusta occasione.
Lo fa in un susseguirsi di viaggi interiori e intimisti, ma
anche raccontandoci semplicemente la vita di tutti i
giorni: quella semplicità disarmante che solo la quotidianità
sa dare. La titletrack è la ricetta ideale per chi si
avvicina a questo disco. Una sorta di guida all’ascolto, di
premessa intenzionale: “solo un visionario può cambiare
la realtà/solo un visionario può far crollare un muro”. Romantica
ballata di quelle che non si ascoltavano da tempo,
Tramonto è un ottimo esempio di come il cantautore
calabrese sappia giocare molto bene con melodie ariose
e immaginifiche, mai mero accompagnamento ma volto
a formare con le liriche un connubio inscindibile. Granello
di Cielo, lievemente dipinta da un solitario pianoforte
da bistrot francese, è l’emblema della piacevole leggerezza
di un disco che fa incontrare scanzonati momenti
pop rock (Anime, Due Corpi) e fotogrammi di riscatto
sociale (L’escluso).
Canzoni nell’accezione più italiota del termine: da canticchiare
e strimpellare, senza astruse pretese storiche
ma con l’ambizione, tutt’altro che scontata, di emozionare
ed emozionarsi, far riflettere riflettendo. E di questi
tempi non è poca cosa.
(6.9/10)
gianluCa lambiaSE
CSS - la libEraCiòn (CoopEratiVE muSiC,
SEttEmbrE 2011)
Genere: pop
Come gli Wombats un anno dopo, ma nel rispettivo
ambito elettro-contaminato, i brasiliani CSS erano, nel
2006, una perfetta cartina al tornasole di ciò che era
andato nei primi Duemila. Mescolavano punk e pop,
sintetico e rock e se avevano senz’altro avuto il merito
d’allungare la vita all’electro-clash (Chicks On Speed)
rappresentavano la classica bolla speculativa per chiunque
- dall’ascoltatore indie-generico (Off The Hook) al sofisticato
divoratore p-funk (Music Is My Hot Hot Sex, Let’s
Make Love and Listen to Death From Above) e di videoclip
(Alala), dal discografico (Sub pop, Warner) al produttore
videogame (Fifa, Midnight Club: Los Angeles...) - volesse
vederci/respirarci/viversi una fetta di fugace inizio millennio
abulimicamente citazionista.
Con il successivo Donkey, e gli 80s che iniziano a spin-
highlight
bEirut - thE rip tidE (pompEii rECordS, agoSto 2011)
Genere: fanfara pop
Un percorso in salita con una pausa prima della meta, così si configura oggi il cammino di Zachary Francis
Condon all’indomani dell’uscita di The Rip Tide, album definitivo di un ragazzo che da caso indie si è
trasformato in un icona pop al pari di Arcade Fire, The National e Sufjan Stevens.
La sua è una di quelle classiche storie a lieto fine: prima c’è stata la Gulag
Orkestar, l’inserimento in una effervescente scena di nuove espressioni balcaniche
non ordinariamente etniche quali A Hawk And a Hacksaw e Matt
Elliott, poi il consolidamento della formula trans-balcanica con il sophomore
The Flying Club Cup, e quindi il momento di riflessione e la conseguente
mosse di lato: un doppio eppì diviso tra divagazioni messicane con la Jimenez
Band di Oaxaca e una manciata di vecchie tracce elettroniche composte
in gioventù sotto il nome di RealPeople.
Ora a quattro anni di distanza, abbiamo le canzoni di quest’album, scritte
nell’inverno scorso a New York e lungamente testate dal vivo (East Harlem compare già in Beirut: Live
at the Music Hall of Williamsburg del 2009). Zac partorisce la sua versione della serenata pop-folk per il
Sud del Mondo, qualsiasi esso sia, un cuore imbevuto di struggente malinconia e fanfare sul perimetro,
mansuete, bofonchianti, a far da sfondo o da snodo. La melodia è padrona.Strofe e ritornelli dunque al
comando e, in cima, il crooning, severo e imperturbabile, perfetto, quasi monocromatico ma compensato
egregiamente dal songwriting (specie nei brani basati sull’accompagnamento al piano - Vagabond).
Sterilizzando gli ottoni (A Candle’s Fire, Payne’s Bay, Port Of Call, The Peaock), e surfando sull’effetto cartolina
impolverata del West, Zac ne esce con un trittico di classici istantanei come la citata Santa Fe, unica
traccia ad avere un arrangimaneto elettronico (omaggio alla città dove Zac è nato anche artisticamente),
l’accorata East Harlem (per chitarrina e fiati in background) o l’ancor più solitaria Goshen 1 (piano, voce
e crescendo ai fiati).The Rip Tide è l’album definitivo per Beirut. Trentatrè minuti di titoli di coda. Il poi
si vedrà.
(7.35/10)
Edoardo bridda
gere (Move), i ragazzi si reinventano senza lo stesso
successo (Left Behind), abbandonano l’indie-electro più
ruspante, compattano e puntano svogliatamente alle
radio fm e a quell’America che li ha sempre visti con
freddezza e, a tempo perso, iniziano a giocare d’anticipo
sui Novanta (Rat Is Dead (Rage)). Risultato: consolidamento
di una nicchia mainstream “di riserva” negli UK,
due passi indietro nelle charts dei singoli (tranne in Finlandia!?)
e sbuffo del mondo internettaro che reclama
ricordi 80s da immaginario collettivo e non l’ennesimo
revival dell’intorno 78-84 (il p-funk di Jager Yoga o la
mutant disco Reggae All Night).Con La Liberación, i CSS
ritornano alle origini ma ritentano la scalata americana
con le proteiche I Love You e City Girl che strizzano l’occhio
all’infantilismo di Katy Perry e alla fake riotness di
Ke$ha (vocoder compreso), e provano a condirli con
i triti trucchetti punky degli esordi (lisergiche MGMT
o sintetiche nu rave). Sono episodi piuttosto isolati e
fortunatamente con il tropicalismo scazzato e divertito
le cose vanno nella dirazione giusta salvo scadere in ritornelli
da corso all’acquagym (Echo Of Love) o banalizzazioni
Chicks On Speed (You Could Have It All).
E’ un vero peccato che metà dell’album se ne vada in
questa direzione quando era stata una bella Hits Me Like
A Rock con tanto di cameo di Bobbie Gillespie (Primal
Scream) ad anticipare l’intero album tra morbidezze 80s
e vintage funk. Il rischio più grave, del resto, è quello di
mandare all’aria una seconda parte che matura i citati
tagli 90s di Donkey con risultati soprendentemente
adulti. Lovefoxxx migliora la cadenza di qualche strofa
in slacker punk (Rhythm To The Rebels) e il bassista e produttore
del disco Adriano Cintra ci mette l’ideale mix di
strati produttivi (Fuck Everything).
Non sono male i brasiliani quando macinano la verve
urban che va dai Sonic Youth alle Throwing Muses
passando persino per i Pulp e una coda al pianoforte
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