BILaN DE PaRCouRS 1 - Editions Bréal

leçon religieuse sur la fuite du temps et plus précisément
sur la vanité des occupations huma http://karine.lanini.free.
fr/Jardinvanitesfichiers/image015.jpg ines.
II. « Vanité des vanités, tout est vanité » (Écclésiaste,
I, 2)
La peinture évoque la vanité, le caractère éphémère de
l’existence humaine. La mort de l’homme est ici présentée
sous la forme d’un crâne. L’impression de déséquilibre
dans lequel se trouvent placés le crâne, la viole, le livre de
musique et l’archet vient renforcer l’idée de précarité de
la condition de l’homme. Cette nature morte a pour thème
essentiel la vanité d’une existence qui s’attache aux biens
et aux plaisirs de ce monde, alors que le temps la détruit
inexorablement.
A. Condamnation des voluptés terrestres
Nous sommes en présence d’une nature morte, ie d’une
peinture qui renvoie à un langage codé. Instruments et objets
symbolisent l’existence de l’homme et ses occupations sur
terre. La présence du crâne, symbole de la mort, rappelle
que ses activités sont futiles face à la mort. La viole et l’archet
sont silencieux et immobiles, c’est l’arrêt des plaisirs
de l’ouïe ; c’est la fin de la création. Le tableau peut être lu
comme une dénonciation des activités terrestres : l’homme
ne s’occupe qu’à des futilités. Il cède au désir voluptueux,
aux plaisirs des sens (libido sentiendi) incarné par les instruments
de musique, il cède au désir de savoir, à la curiosité
(libido sciendi), incarné par les coquillages, il cède à
l’orgueil, au désir de bien paraître sur la scène du monde
(libido dominandi), incarné par les parures mondaines qui
visent à faire triompher le paraître.
Ces activités ne sont que des divertissements pour nous
empêcher de penser à notre « mortelle condition ». Tous ces
désirs ne sont rien face à la mort et au temps, ils seront anéantis
par l’arrêt brutal de la vie. Le tableau marque d’ailleurs
cette rupture, cette cassure du mouvement et de la vie.
B. Le temps suspendu
Cette nature morte présente des objets, des éléments
dont on ignore le passé et qui n’ont pas d’avenir. Ils semblent
suspendus dans le temps, figés pour l’éternité. La
chandelle est éteinte : le temps s’est arrêté dans la mort. Le
tableau ne montre aucune intrusion du monde extérieur, les
objets sont ainsi coupés de tout contexte. On notera également
que la toile ne présente aucune impression de profondeur
: pas de premier ni d’arrière plan : les objets sont
envisagés hors du cadre temporel et hors du cadre spatial.
Ils ont été comme pétrifiés par la mort.
Insistance à travers le sablier, la chandelle et le crâne
sur le caractère éphémère et fini de l’existence humaine.
C’est un tableau très noir, très pessimiste qui rappelle à
l’homme son essence dérisoire et mortelle. Cependant,
veiller à replacer ce tableau dans son contexte, le XVII e
siècle, où la religion a un poids écrasant. La mort est toujours
pensée, dans une perspective chrétienne, en regard de
la résurrection et de l’éternité.
C. L’espoir de la résurrection
Le tableau comporte des symboles religieux. Ce sont
les feuilles de laurier et les coquillages que l’on aperçoit
dans la partie gauche du tableau. Ils sont symboles de la
résurrection et laissent espérer un avenir plus radieux dans
l’autre monde. Cette dimension transcendante redonne
espoir à l’homme. Ces éléments sont mis en valeur car
placés dans la zone lumineuse du tableau. C’est donc une
œuvre religieuse qui peut être lu comme une apologie de
la foi chrétienne, avec un message implicite : « croyez et
espérez ! ». Dans cette perspective chrétienne, la mort n’est
qu’une étape vers l’autre monde. L’espoir est symbolisé
par la couleur verte de la nappe de velours qui recouvre la
table et la pureté de la vie dans l’autre monde est symbolisée
par la couleur blanche du nœud de rideau. Les feuilles
de laurier se trouvent au beau milieu des riches parures que
nous avons identifiées. La leçon chrétienne est la suivante :
quittez le monde pour vivre dans la prière. On gagne son
paradis en menant une vie terrestre dans la retraite et à
l’écart des plaisirs du monde.
On remarquera, pour finir, que le trajet du regard auquel
invite le tableau constitue le récit archétypal de l’existence
humaine. On a vu que le tableau se lisait en diagonale :
d’abord , les plaisirs du monde marquent le temps de la
jeunesse et de l’insouciance ; puis le regard se déplace vers
les symboles du temps et de sa fuite : temps de la vieillesse
où l’homme médite sur la mort. Dans un dernier temps, le
regard bute sur le crâne : choc brutal qui signifie la violence
du passage d’un monde à l’autre puis glisse in fine
vers les coquillages qui symbolisent le monde céleste et la
vie éternelle.
L’impression de pessimisme qui se dégage du tableau
doit être nuancée. Le crâne qui trône en majesté dans l’espace
pictural n’est que le symbole d’une étape douloureuse
qui vise à être dépassée. Après l’épreuve de la mort, le crâne
peut revivre dans la béatitude de la vie éternelle ; l’homme,
auprès de son Créateur, se régénère.
PARCOURS COMPLÉMENTAIRE
Grandeur et misère de l’homme,
la condition humaine au XVII e siècle »
❐❐
La Rochefoucauld, maxime 215, Maximes, 1665.
❐❐
Molière, Le Misanthrope, V, 4, 1666.
❐❐
La Fontaine, « L’Homme et son image », Fables, I, XI,
1668.
❐❐
Bossuet, Oraison funèbre d’Henriette d’Angleterre,
1670.
❐❐
Pascal, Le divertissement, fr. 139, 1670.
Ce parcours complémentaire aurait pour objectif de travailler
sur la conception de l’homme dans la seconde moitié
XVII e siècle. Caractérisée par un pessimisme anthropologique,
hérité d’Augustin, cette époque peint un homme rongé
par ses passions, mais néanmoins, pour certains, capable de
grandeur. Le parcours permettrait également de travailler
sur différents genres argumentatifs (l’apologue, la maxime,
le discours, le dialogue argumentatif et l’essai).
86 • Chapitre 4 - La question de l’homme dans les genres de l’argumentation du xvi e siècle à nos jours