Onda_etudedanse_complet

CONCLUSION
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En réponse à la question sur le degré d’importance de différents
moyens pour développer le public, les structures ont majoritairement
minoré la pertinence des modifications dans les choix
de programmation, comme l’augmentation de spectacles grand
public, de créations participatives ou de créations qui associent
des professionnels et des amateurs, la diffusion de petites formes
hors les murs, l’allongement des séries de représentation.
Par contre, les moyens jugés assez importants ont concerné la
politique tarifaire, notamment en réduisant l’obstacle financier à la
venue pour des personnes à bas revenu ou ayant peu d’appétence
pour la danse, la communication adaptée aux différentes catégories
de publics, ainsi que les dispositifs d’action culturelle avec
en premier lieu la diversification des partenariats avec des relais
non culturels, puis les rencontres avec les artistes, les ateliers de
pratique, les résidences d’artistes et les outils de médiation. Le
positionnement ainsi exprimé reflète une vision idéologique de
la mission de service public culturel, qui légitime le pouvoir de
programmation des directions de structures et mise sur les actions
de sensibilisation artistique pour élargir la base sociodémographique
des publics.
En réponse à la question sur le degré de pertinence des dispositifs
d’action culturelle, les compagnies chorégraphiques ont
reconnu leur utilité pour le développement de l’éducation artistique
et culturelle, notamment pour les jeunes, l’amélioration de
l’écoute des spectateurs et spectatrices pendant les représentations
mais ont minoré leur intérêt pour enrichir les créations, de façon
un peu moins importante pour les compagnies à bas niveau de
diffusion. Or le devenir de la diffusion est plus porté par l’appréciation
professionnelle de l’originalité et des qualités expressives
et techniques des spectacles de danse. On retrouve ici un dilemme
du service public culturel autour de l’articulation à opérer entre des
exigences artistiques et un projet de démocratisation culturelle,
lui-même questionné récemment par la reconnaissance, dans les
lois NOTRe de 2015 et LCAP de 2016, de la nécessité de respecter
la diversité des expressions culturelles, dans les relations entre
les artistes et la population.
L’évaluation des dispositifs d’action culturelle est également
questionnée, notamment par les artistes résident∙es des CCN et des
CDCN. Les financeurs publics demandent des bilans quantitatifs sur
le nombre d’heures dispensées et de participants et participantes
tandis qu’il serait utile de se donner les moyens d’une évaluation
qualitative complémentaire afin de s’interroger sur les effets de ces
actions artistiques sur le développement personnel et la curiosité
à l’égard de la culture chorégraphique. Une diversification des
objets chorégraphiques légitimes en dehors des spectacles pour les
restitutions de fins d’atelier, comme des films ou des expositions
de photographies, fait l’objet aussi de débats.
problématiques et de faits plus communément connus dans le
monde professionnel de la danse.
Il s’agit d’une base de connaissances utiles pour accompagner
les professionnel∙les de la danse dans le questionnement
des moyens pour fluidifier la circulation de la danse en France et
des aménagements à apporter en conséquence dans les circuits de
distribution des spectacles et les mises en relation avec les publics.
Il appartient désormais à tout le secteur, organismes publics ou
associatifs et professionnel∙les, d’engager la réflexion sur les outils
ou réformes à mettre en place pour aller dans ce sens.
Un état des lieux : quelles perspectives ?
Cet état des lieux sur la diffusion de la danse en France a
permis de dégager des informations inédites par leur précision
grâce à l’exploitation de la base de la SACD et une restitution de