Onda_etudedanse_complet

78 LA DIFFUSION DE LA DANSE EN FRANCE DE 2011 À 2017 ONDA.FR
Les projections négatives sur la danse contemporaine
Des préjugés sur la complexité prêtée à la danse contemporaine,
notamment pour des démarches conceptuelles, constituent des obstacles
à la fréquentation. Les révoltes des amateurs de « la danse qui
danse » contre la « non-danse » résultent de la perception d’attitudes
provocantes de la part des interprètes ou d’un décontenancement
par rapport à des attentes de dynamisme gestuel et rythmique. Cela
a pu se manifester dans certains cas par des départs plus ou moins
massifs des salles de spectacles et parfois même par des tentatives
d’incursion dansée de spectateurs ou spectatrices sur le plateau
pour saboter la représentation.
L’intériorisation de ces préjugés sur la danse contemporaine
par des directions de structures les éloigne d’un intérêt pour une
programmation de danse contemporaine, supposée trop compliquée
pour leurs publics. Le manque de culture chorégraphique de
certain∙es responsables d’établissements pluridisciplinaires a été
ainsi pointé par plusieurs responsables de compagnies dans les
entretiens, mais aussi par des directions de structures plus engagées
dans la diffusion de la danse.
“On s’est dit entre certains programmateurs [spécialistes] de danse
qu’il faudrait faire une formation auprès des programmateurs. Mais
on l’a proposée à la suite de la réunion du réseau. On faisait un atelier
danse, juste « qu’est-ce que c’est ? » pour les programmateurs. Ils
n’étaient pas là ! On s’est retrouvé juste avec du public. Pour ne pas
leur faire peur, on ne leur avait pas dit que c’était juste pour eux.”
(Directrice, structure pluridisciplinaire 19)
Les préjugés répandus sur la complexité de la danse contemporaine
incitent certains programmateurs à éviter de se référencer
à cette catégorie, en employant une autre terminologie.
“Je dirais que c’est tout de la danse d’aujourd’hui pour des spectateurs
d’aujourd’hui. […] Ce terme de danse contemporaine a fait fuir tant
de publics […]. Moi, je parlerais de danse d’aujourd’hui. C’est quoi le
mouvement aujourd’hui, ce n’est pas de savoir si c’est du hip-hop, du
baroque, du néo-classique. Les grandes questions c’est plutôt quel est
l’apport du cirque, du théâtre, de la musique ; le croisement danse/
musique m’intéresse particulièrement.”
(Directeur, structure pluridisciplinaire 8)
L’absence d’offre chorégraphique antérieure sur un territoire
constitue aussi un obstacle pour utiliser le terme de danse contemporaine
afin de caractériser les spectacles programmés.
“On part avec tous les handicaps possibles, on est dans une ville où il
n’y a pas de théâtre donc pas de programmation, donc pas de rapport
au public et avec un mot de danse contemporaine qui fait peur.”
(Directeur, structure dédiée 9)
Communiquer sur la catégorie de la danse contemporaine pour
promouvoir le spectacle d’un chorégraphe ou une chorégraphe
très connue au lieu de se focaliser sur la renommée peut se révéler
contre-productif.
“Le nom de X est suffisamment connu pour dépasser la nécessité de le
définir. Mais on a pu observer que les théâtres le font sur les plaquettes ;
ils mettent des catégories, mais quand ils mettent danse, ça vend moins !
Quand la ville nous programme, elle soumet le BAT avec danse, je dis
ne mettez rien ! Ils ont voulu le faire [indiquer danse contemporaine]
mais ils ont moins vendu que la dernière fois où on avait joué.”
(Directeur délégué, compagnie 7)
La pluralité des identités culturelles sur le territoire
Les choix de programmation dans la conduite du projet artistique
et culturel des structures sont nécessairement pensés en lien avec
la diversité des cultures spécifiques de la population. Leur prise en
compte est nécessaire pour construire des opportunités de diffusion
de la culture chorégraphique.
La notion de droits culturels a été explicitée dans la déclaration
de Fribourg, publiée en 2007, à la suite des conventions de
l’Unesco sur la diversité culturelle en 2001 et sur la protection et la
promotion de la diversité des expressions culturelles en 2005. Huit
droits culturels sont identifiés : choisir et respecter son identité
culturelle ; connaître et voir respecter sa propre culture, ainsi que
d’autres cultures ; accéder aux patrimoines culturels ; se référer,
ou non, à une ou plusieurs communautés culturelles ; participer
à la vie culturelle ; s’éduquer et se former, éduquer et former dans
le respect des identités culturelles ; participer à une information
adéquate (s’informer et informer) ; participer au développement
de coopérations culturelles.
Le principe du respect des droits culturels a été inscrit dans
l’article 105 de la loi NOTRe en 2015 et dans l’article 3 de la loi
relative à la Liberté de la Création, à l'Architecture et au Patrimoine
(LCAP) en 2016. Tout en pratiquant une politique d’offre artistique
exigeante, qui justifie le versement de subventions publiques, les
structures de diffusion doivent ainsi prendre plus en considération
la diversité culturelle de la population sur leur territoire pour
construire des passerelles entre la culture chorégraphique et les
grilles de références des différentes communautés culturelles. Ces
nouveaux dispositifs législatifs tendent à mieux légitimer institutionnellement
les positionnements de structures impliquées dans la
conduite de « projets situés » sur leur territoire et une réflexion sur
l’« empreinte civique » locale de leurs activités artistiques.
“Notre responsabilité est de bien connaître la scène contemporaine, […],
et de la même manière on connaît le contexte dans lequel on œuvre,
c’est-à-dire ce qu'est la population, l’urbanisme, la situation économique,
les endroits de formation, les centres sociaux. […]. Nous, notre
responsabilité est cet endroit-là du trait d’union, de la liaison entre des
propositions esthétiques et des situations économiques, sociologiques,
urbanistiques, architecturales, démographiques, sociales.”
(Directeur, structure pluridisciplinaire 18)
La composition sociodémographique des quartiers populaires
tend à tenir cette population plus éloignée des lieux de spectacle
vivant, d'autant plus si leur habitat est excentré. Dans un contexte de
surreprésentation des enfants de cadres et professions intellectuelles
supérieures parmi les artistes 58 , se pose la question des dispositifs
spécifiques d’accompagnement des jeunes gens issus de la diversité
culturelle, sociale et géographique dans la préparation des écoles
58. La part des artistes de spectacle dont le père est cadre a été de 47% en 2011 contre 25% pour l’ensemble de la population active occupée (Marie Gouyon, Frédérique
Patureau, « Vingt ans d’évolution dans l’emploi des professions culturelles. 1991-2011 », Cultures Chiffres n°2014-6, p. 5).