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LA MISE EN RELATION AVEC LES PUBLICS
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LES DISPOSITIFS D’ACTION CULTURELLE
Le manque d’appétence pour les spectacles de danse est un
obstacle évoqué de façon récurrente par des directions de structures
pour le développement de leur diffusion. Cela concerne une large
partie de la population. Parallèlement, des chorégraphes mettent en
avant un manque de culture chorégraphique de certaines directions
d’établissements pluridisciplinaires pour expliquer les difficultés
d’obtenir leur consentement à les programmer. Ce problème est
aussi posé dans les relations à des élu∙es de collectivités territoriales
pour leur faire prendre conscience des besoins productifs dans le
secteur de la danse. L’éveil d’un goût pour les spectacles chorégraphiques
à un nombre élargi de personnes peut être pensé en termes
d’acculturation artistique en visant une appropriation de références
chorégraphiques diffusées par des chorégraphes ou des danseurs,
ou plus en termes d’éducation populaire sur la base d’échanges
entre les différents univers culturels des artistes et des non professionnel∙les,
appréhendés sous l’angle d’une égale dignité des
cultures, sous-jacente à la doctrine du respect des droits culturels.
En réponse à la question sur l’augmentation des actions de sensibilisation
artistique depuis 2014, les compagnies répondantes ont
indiqué qu’elles avaient en moyenne assez progressé. Une exception
concerne les équipes au rayonnement à dominante internationale
moins affectées (note d’importance moyenne de 1,4 sur 3 pour les dix
équipes chorégraphiques concernées contre 2 pour l’ensemble). Les
compagnies chorégraphiques sont donc confrontées à une demande
croissante d’intervention dans des dispositifs d’action culturelle.
La mise en place de ces dispositifs suppose de s’engager dans
la construction de partenariats entre les équipes chorégraphiques,
les structures culturelles et des établissements non artistiques. Les
conditions d’une coopération équilibrée entre les parties prenantes
requièrent de dépasser certains obstacles, notamment liés à leurs
différences d’objectifs stratégiques centraux. Les actions artistiques
menées localement peuvent relever d’un dispositif de médiation
pédagogique fondé sur des outils ou un dialogue avec les artistes,
ou bien de l’encadrement d’un atelier de pratique, soit en lien avec
la programmation du lieu, soit dans une logique de création participative.
1. Les partenariats avec des établissements non
culturels
En réponse à la question sur l’importance des moyens utilisés
pour développer le public de la danse depuis 2014-2015, les structures
répondantes ont classé en moyenne la diversification des partenariats
avec des relais au premier rang avec une note de 2,18 sur 3.
Cette primauté a été reconnue par l’ensemble des structures, qu’elles
soient dédiées ou non à la danse, quelle que soit l’évolution ou le
niveau de leur diffusion entre 2014-2015 et 2016/17. Les structures
ayant un bas niveau de représentations chorégraphiques (moins de
10 par an) ont été néanmoins proportionnellement plus nombreuses
que les autres à n’accorder aucune importance à cette diversification
des relais (15 % contre une moyenne de 5 %).
La recherche d’un élargissement des partenariats entre les
équipes chorégraphiques, les opérateurs culturels et des organismes
relais afin de diversifier la population touchée par les dispositifs
d’action culturelle se heurte à plusieurs obstacles. Le rapprochement
des buts artistiques avec les objectifs directeurs des autres
organismes requiert la négociation d’un objectif pour une action
commune. La conduite de celle-ci peut être altérée par des visions
différentes des priorités à accorder, ainsi que des tensions avec les
participants et participantes tant qu’ils et elles ne se sont pas appropriés
l’objectif artistique. De plus, la reconnaissance esthétique de
la démarche artistique des compagnies fortement engagées dans
l’action culturelle peut être minorée si ces activités sont assimilées
par les experts et expertes professionnelles à un travail d’animation
socio-culturel en s’appuyant notamment sur l’appréciation des qualités
de l’interprétation des participants et participantes amateurs.
Alors que ces activités entrent en cohérence avec les objectifs
d’une politique de démocratisation culturelle, plusieurs tensions
sont à analyser dans les dynamiques de groupe et la valorisation
du travail artistique fourni dans le cadre de ces partenariats,
ainsi que les effets sur les qualités du travail de création des
compagnies.
La dynamique de groupe
La mise en place d’actions artistiques sur le territoire nécessite
des relations de partenariat avec des établissements non culturels
afin d’entrer en contact avec des personnes éloignées de la fréquentation
des structures ayant une programmation chorégraphique.
“ Il y a à la fois des structures qui nous appellent en nous disant qu’on
aimerait bien travailler avec vous. Souvent même cela dépasse notre
capacité à répondre, vraiment. Nous, on peut être assez volontariste
sur des quartiers sur lesquels on a envie d’intervenir. Notre question,
c’est presque de choisir les partenaires qui nous semblent les plus
importants à avoir et à garder, développer, et de se débarrasser des
autres. Après, selon les territoires sur lesquels on intervient, on est
plus ou moins bienvenus. ”
(Codirectrice, structure pluridisciplinaire 16)
La mise en œuvre d’un objectif commun pour le déroulement
d’une action artistique, comme un atelier de pratique de danse,
requiert une implication de porteurs et/ou porteuses du projet au
sein de la structure ayant une activité principale autre que le spectacle
vivant pour faire face à des résistances de la part de certain∙es
de leurs collègues attaché∙es au cœur de leur métier. Par exemple,
des enseignants et enseignantes peuvent s’opposer à l’utilisation
d’heures de cours pour ces ateliers au détriment du temps à consacrer
pour les enseignements dits « fondamentaux ». Des conflits de
compétences peuvent entraver la collaboration entre les artistes et les
membres du personnel de l’établissement non culturel, par exemple
quand des médecins mettent en doute l’efficacité thérapeutique des
interventions à l’hôpital ou des enseignants ou enseignantes les
compétences pédagogiques des artistes.
Face à cette absence de consensus prévisible, le soutien de la
direction de l’établissement non culturel est primordial pour favoriser
la pérennité des expériences artistiques menées. Le travail de
préparation pour ouvrir les esprits des salariés d’une structure non
culturelle à une collaboration avec des artistes peut ainsi parfois
nécessiter une implication importante des équipes chorégraphiques
dans des tâches de coordination et des négociations.