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visivo: in quel caso si forma un plagium. È un po’ come
un’infezione.
La strutturazione dei film a tratti sembra seguire delle linee precise
dettate da vere e proprie sceneggiature, altre invece di volta
in volta sembrano seguire gli stimoli che le varie immagini tendono
a generare. Cosa potete dire in proposito?
Non esistono regole, dal momento che l’origine di un lavoro
risiede talvolta in un testo, altre volte in immagini, altre
volte in aree intermedie. L’aspetto più interessante è che si
procede per fasi progressive e rimaneggiamenti: si mettono
in fila immagini e suoni, poi si spostano, si riducono, si
rallenta o velocizza una clip video, si trasforma l’audio, si
deteriora la qualità delle fonti; poi nuovamente si cambia
con nuove variazioni e proposte. Spesso i membri del
gruppo procedono separatamente: chi arriva dopo, tratta il
lavoro “trovato” come un reperto archeologico, da depurare
delle scorie, da comprendere, da ricollocare nel contesto.
È un gioco di scambio e condivisione tra noi prima che
con il pubblico.
L’utilizzo di elementi/immagini ricorrenti, è il frutto di un processo
di accumulo, è il segno di una continuità assoluta tra i vari
lavori o, ancora, una metafora interna del riciclo e del plagio?
Per lo più è frutto del processo di accumulo di informazioni
insito in una stessa sequenza riutilizzata in diversi contesti
o accostamenti. Riutilizzare una stessa sequenza a
distanza di tempo in un lavoro diverso deve presupporre
che quella sequenza sia ancora “viva”, abbia capacità di
comunicare ancora. È un procedimento molto stimolante
che potremmo definire di “ecologia delle immagini.”
La produzione di Stereo si indirizza a un ipotetico palinsesto
televisivo: è il tentativo di inserire dei “germi” all’interno del
sistema?
Stereo è il progetto immediatamente successivo ai Plagium
e nasce principalmente dalla coscienza della fine di quel
percorso. Si caratterizza per essere struttura pura, l’affermazione
senza compromessi della forma sul contenuto.
Abbiamo elaborato il progetto a partire da alcune riflessioni
sul mutato meccanismo di fruizione delle immagini e di
quanto queste pesino nella comunicazione di informazioni.
Il concetto di partenza è che a una percezione prospettica
lineare verso l’orizzonte si è sostituito uno sguardo
zenitale, non si tratta più di osservare quanto succede
davanti a sé ma sopra. Una trasformazione culturale imposta
dalle innovazioni tecnologiche: lo sguardo dei satelliti
ci rimanda le immagini di ogni punto del globo in ogni
istante, alla stessa maniera la rete ci permette di accedere
simultaneamente a informazioni elaborate in ogni angolo
della terra, il sistema di rilevazione delle cellule delle trasmissioni
telefoniche permette di individuarci verticalmente
in qualsiasi nostro spostamento che avviene con un
telefonino acceso in tasca. Tutto questo a prescindere da un
nostro qualsiasi interlocutore che possa affermare di
vederci, prospetticamente, orizzontalmente in un dato luogo.
Insomma la domanda è: io sono più reale della mia
immagine teletrasmessa? La risposta è evidentemente no,
visto che in questo momento pezzi di me sono in rete, in
un sms, in una immagine rubata da echelon ecc., questa
contemporaneità della mia presenza in più luoghi nel suo
insieme rappresenta la mia “Stereo-realtà” che certamente
placed in a row, then we move them around, reduce them, slow
down or speed up a video clip, transform the audio, deteriorate
the quality of the sources. Then once again we change them
with new variations and ideas. Often, the members of the
group work separately: someone might come on later and treat
the “found” work like an archeological find, to clean off, to
understand, to resituate in the context. It’s a game of exchange
and sharing between us, before we then do the same with the
audience.
Is the use of recurring elements/images the result of a
process of accumulation, the sign of an absolute continuity
among your work or an internal metaphor of recycling
and plagiarism?
It is above all the result of a process of accumulation of information
inherent to the same sequence re-used in different contexts
or combinations. Re-using the same sequence later on in
a different work assumes that that sequence is still “alive” and
is still capable of communicating something. It’s a very stimulating
process that we could call “the ecology of the image.”
The Stereo series was made as a hypothetical television
program: is it an attempt to introduce some “germs” into
the system?
Stereo is the project that immediately followed the Plagiums
and came about chiefly from the knowledge we had gained at
the end of that previous process. Its main characteristic is that
it is pure structure, the uncompromised affirmation of form
over content. We elaborated the project starting from certain
reflections on the mutated mechanism of the fruition of the
images and how much these influence the communication of
information. The original concept is that a linear perspective
towards the horizon has been replaced by a zenithal gaze. It is
no longer a question of observing what happens before us, but
above. A cultural transformation imposed by technological
innovations: in the same way that the satellites bringsus
images from all parts of the globe at all times, the net allows
us simultaneous access to information elaborated in every corner
of the world, the system intercepting telephone transmissions
allows one to vertically locate us wherever we may be
with a cell phone turned on in our pockets. On top of which,
any interlocutor of ours can attest to seeing us, in perspective,
horizontally, in any given place. In other words, the question
is: am I more real than my broadcasted image? The answer is
obviously no, seeing as how right now there are pieces of me in
the ether, in a text message, in an image stolen from the echelon
etc. This contemporaneousness of my presence in more
places than one overall represents my “Stereo-reality” that
certainly today, with the importance we give to communication,
is more representative than my physical presence. This is
the concept behind Stereo, a structure that is easily assembled
and dissembled, made up of 30 very short fragments, powerful
units that in a few seconds relate not something, but their
belonging to more wide-reaching body, definite but divided,
designed to appear in a context in which everything must have
a precise meaning. It seems as if the only television station
that broadcast it has its headquarters in Vilnius. It was duly
rejected by film festivals but well received by art galleries
where, obviously, the idea that images have nothing to say
except for their incapacity to say anything is deeply rooted;
where for some time now, the “gaze” has been replaced by
vision; and where the awareness that the power of images lies
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