eine zentrale Frage der Wissensvermittlung (pdf)

Literaritätspraxis hierzulande – eine (sehr) kleine Auswahl
„Die Musik riecht nach dem New York in den 20ern wie die eines jeden Strauss-Walzers nach
dem Wien des 19. Jahrhunderts“, stellt Rattle fest. Es handle sich um eine Musik der gegenseitigen
Befruchtung, die die Klänge der Straße, ihrer verschiedenen BewohnerInnen und
Gruppen mischt. So betritt die Musik der Straße und mit ihr der multi-ethnische Klang
das Konzertpodium. Gershwin selbst charakterisiert seine Musik mit den Worten – “a sort
of musical kaleidoscope of America – of our vast melting pot of unduplicated national pep,
of our blues, our metropolitan madness”.
Der Wechsel der Wahrnehmung und verschiedener Bewusstseinszustände, die gleichzeitig
nebeneinander bestehen, ist ein wichtiger Aspekt in der amerikanischen Musik. Er wird
musikalisch häufig durch Polytonalität und Polyrhythmus charakterisiert – einem Kenn zeichen
von Jazz Musik und der meisten afrikanischen Musiken. In ihnen gibt es zur gleichen
Zeit mehrere Tonarten und Rhythmen, und oft erfolgt ein Wechsel zwischen ihnen. Ein Protagonist
und Interessent der Polyrhythmik ist Aaron Copland. Wie viele amerikanische KomponistInnen
studierte auch er die europäische Musiktradition. Bereits in seiner Studienzeit
in den 1920er Jahren befasste er sich mit polyrhythmischen Techniken, mit gegengleichen
Schwingungstechniken der Art, wie diese musikalisch beschrieben und aufgeschrieben
werden können, und mit den Schwierigkeiten, diese Art von Musik aus- und aufzuführen.
Am Beispiel Coplands erwähnt Rattle ein gemeinsames Merkmal der amerikanischen klassischen
Musik: Sie entwickelt sich in enger Verbindung mit den anderen Künsten ihrer Zeit,
vor allem dem Tanz, der Dichtung, dem Film und dem Theater. Appalachian Spring aus dem
Jahr 1944 dient hier als Klangbeispiel. Das Werk entstand im Auftrag der Martha Graham
Dance Company, der Titel ist einem Gedicht des amerikanischen Dichters Hart Crane entnommen,
das Bühnenbild der Uraufführung stammt von der japanisch-amerikanischen Künstlerin
Isamu Noguchi. Copland schreibt breit klingende und melodisch einfache Filmmusik
ebenso wie sehr komplexe, „schwierige“ Musik. Wichtig ist ihm, vor allem nach dem New
Deal und dem Eintritt Amerikas in den Zweiten Weltkrieg, ausdrücklich Musik zu schreiben,
die sich nicht nur an eine Elite wendet.
Als Exempel für den immer aufs Neue wirksamen und immer wieder aktuellen Einfluss von
Immigration auf das „Antlitz“ eines Landes und seiner Menschen wählt Rattle den von den
Nationalsozialisten zur Flucht gezwungenen deutschen Komponisten Kurt Weill. Als Musikbeispiel
dient A Lonely House aus der American Opera Street Scene, die Weill 1947 komponierte
und für die der Schriftsteller Langston Hughes die Liedtexte schuf. Ort der Handlung
ist die Straße eines Armenviertels in New York, Zeit der Handlung das Jahr 1946. Lieder,
Texte und Kompositionsstil stehen für das nahtlose Synchronisieren europäischer Opern -
tradition mit dem amerikanischen Musical. Musikalisch kenntlich und hörbar werden zum
einen der Sprachakzent, und zwar sowohl durch die Artikulationsweise als auch über
die Modulation der Sprach(e)-Melodie, und zum anderen die für das Migrationsschicksal
charakteristische Sehnsucht nach dem Verlorenen, dem Vergangenen. Die Musik erzählt von
der modernen Form der Vereinsamung des/der Einzelnen trotz und inmitten der Nähe der
vielen, an deren Leben er/sie „hörend“ durch die Geräusche des Lebens – Schnarchen, das
Weinen eines Babys, das Knarren der Stiegen, das Läuten eines Telefons – teilhat.
In der letzten von uns ausgewählten Station von Simon Rattles musikalischer Reise spricht
er von der Direktheit – im Sinn von ungeschönter Geradlinigkeit – im Ausdruck, ein Begriff,
den er für treffend hält, um das Charakteristikum des Amerikanischen zu beschreiben. John
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