eine zentrale Frage der Wissensvermittlung (pdf)

einander verbunden. Und historisch gehören sie in der Musikentwicklung zusammen. Der/die
KomponistIn ist hellhörig für seine/ihre Zeit, sammelt die Klangmaterialien, um sie in
seiner/ihrer Weise einzusetzen und zu verändern. Für MusikerInnen ist jede Musik, festgehalten
als Werk oder in Wiedergabe, Quelle und Material für weitere Bearbeitungen. So
ist das Archiv Dokumentation vieler „flüchtiger“ Klänge und ermöglicht, die Stadt auch als
Klangteppich oder Klanglandschaft zu erkennen. Sie wird hörbar und damit als soziokulturelle
Quelle, auch an ihrer Musik, lesbar. Die Ergebnisse der Quellenarbeit werden publiziert,
das Material ist neben einer Literatursammlung in einer Bibliothek zugänglich. Aktuelle
Projekte des Archivs sind etwa Stimmporträts, Musik im Alltag, Hauskonzerte, das inter -
nationale Musikspektrum in Wien, traditionelle Wiener Musik, das Jazzleben in Wien oder
die Musik der Jüdischen Gemeinde in Wien.
Musik als Dialogisieren mit ihren Quellen
Um ein lebendiges und heutiges Musikverständnis geht es Nikolaus Harnoncourt mit seiner
seit 50 Jahren praktizierten historischen Quellenarbeit. Denn, so seine Überzeugung, „Musik
verändert den Menschen, Hörer wie Musiker […]. Musik ist unverzichtbar, wenn wir [uns] und
sie verstehen wollen.“ 31 Indem er die Zeit und den Kontext von Klangideen, Musizierformen,
die Geschichte der Bearbeitung eines Werkes und von professionellen Aufführungspraktiken
in den folgenden Zeiten als deren Interpretationen wieder zum Thema macht, versucht er,
das Zeitlose von Musik im Sinne einer über die Zeiten hinweg interessanten Auseinandersetzung
mit den durch die Musik aufgeworfenen Fragen und Widersprüchen heute wieder
freizulegen und hörbar zu machen. Einem vermeintlich autoritativen Begriff der Authentizität
und einer „allgemeingültigen“ Wiedergabe setzt er seine kritische Analyse von Literatur,
Texten über Musik und Partituren entgegen. Und er zeigt anhand der Notation eines
Werkes, dass es auch in der Notenschrift, wie bei jeder Sprache und jedem Text, eben bei
jeder Art von Schreiben, Vieldeutigkeit gibt. Und wie bei jeder Art, einen Text zu lesen,
filtert jede/r LeserIn – und all jene, die Noten bearbeiten und drucken – durch seine/ihre
Vorstellungen über den Klang und die Zeit des Textes. Alle, die vergangene Werke spielen,
müssen sich dessen bewusst sein und dieses Wissen für sich übersetzen. Dieses Wissen
ist nur „entzifferbar“ im historischen Zusammenhang. Zwar galten bis ins 17. Jahrhundert
eindeutige Zeichen, aber auch sie wurden von den InterpretInnen immer anders gelesen.
Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts ist beim Aufführen eines Werkes Improvisation, Verzierung
des Werkes üblich. Ebenso wie Lesarten und Improvisationspraxis verändern sich die
Instrumente, die Klangvorstellung, die Spielweise und die Gesangstechnik.
„Verhängnisvoll ist allerdings der noch immer weitverbreitete Irrtum, die Notenzeichen,
die Affekt- und Tempoworte sowie die dynamischen Bezeichnungen hätten
schon immer dieselbe Bedeutung gehabt wie heute. Diese irrige Ansicht wird durch
die Tatsache gefördert, dass seit Jahrhunderten beim Aufschreiben dieselben grafischen
Zeichen verwendet werden, es wird zuwenig bedacht, dass die Notenschrift
nicht einfach eine zeitlose, übernationale Bezeichnungsmethode für Musik ist, die
für mehrere Jahrhunderte unverändert gilt; mit den stilistischen Wandlungen der
Musik, den Ideen der Komponisten und der ausführenden Musiker verändert sich
auch die Bedeutung der verschiedenen Zeichen der Notenschrift.“ 32
31 Ebd., S. 10.
32 Ebd., S. 36.
Literaritätspraxis hierzulande – eine (sehr) kleine Auswahl
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