Ekel. Ikonografie des Ausgeschlossenen. - Fotostudio Essen

FrAgmentIerung des Körpers
Ästhetik als peinlich zu vermeiden gilt (vgl. Menninghaus 1999: 82). Da
die Körperverstümmelung jedoch am lebendigen Leib stattfindet (als Stra-
fe, Präventivmaßnahme oder Machtdemonstration; als Ritus, medizinischer
Eingriff oder auch als Selbstverletzung), bringen Wunde, Desorganisation
und Zerstückelung – sozusagen als unerwünschte nebenwirkung – auch
Hinweise auf ein Körperinneres an die Oberfläche.
In der Kunstgeschichte weist die körperliche Fragmentierung häufig auf
eine Entweihung des Körpers hin, die auf Bestrafung gründet. Bei einer
gerecht erscheinenden Strafe erfährt der Rezipient die moralische Lust der
Erleichterung, bei einer ungerecht wirkenden Bestrafung ist in aller Regel
ein Martyrium versinnbildlicht, von dem der Kunstbetrachter aber weiß,
das es im Jenseits belohnt werden wird. Letztendlich beinhalten beide
Darstellungen ein ‚Happy End’. Thomas Anz folgert richtig, dass diese
Werke daher eine ganz eigenständige Quelle der Lust darstellen (vgl. Anz
2003: 148).
Wie Claudia Benthien und Christopf Wulf feststellen, geht der mittelalterliche
Glaube an die postmortale Rekomplettierung in der Folgezeit verloren.
Stattdessen bleibe die Versehrtheit als solche bestehen (vgl. Benthien/Wulf
2001: 13f). Tatsächlich erfahren Bildnisse geschändeter Menschen seit dieser
Zeit eine neue Dimension des Schreckens (z. B. Francisco de Goya).
Der Wendepunkt des Körperbewusstseins im 20. Jahrhundert reduziert die
rein ästhetische Lust an der Folter dann so stark wie niemals zuvor. Ein
Teil der Werke erhebt dabei einen fast wissenschaftlichen Anspruch (Luis
Buñuel/Salvador Dali), aber auch künstliche Körperteile werden seitdem
als Zeichen für Körper arrangiert (Umbro, Werner Rohde, Hans Bellmer).
Die als ekelhaft geltende Selbstverletzungsthematik deutet sich in der Legende
der Amazonen an, weitet sich in zahlreichen Zeichnungen von Écorchés
im 16. und 17. Jahrhundert aus und inspiriert auch die Moderne. Doch
erst seit 1960 wird sie in der Kunst real praktiziert, indem der Körper zum
Material wird. Mario Perniola weist darauf hin, dass die extremen Selbstverletzungsperformances
des no limits immer die nähe zum Unreinen suchen
würden, von der Überschreitung traditioneller Grenzen geprägt seien, versuchen
würden, sich der Demütigung und Verachtung zu entziehen und
immer auch das Risiko der Selbstzerstörung mit einkalkulieren würden (vgl.
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