Perdita del centro - Università Gabriele d'Annunzio

Seldmayr PERDITA DEL CENTRO 125
QUARTO PERIODO: L'UOMO AUTONOMO
EVO MODERNO (DAL 1760 FINO AL?)
Questo periodo sta sotto l'insegna dell'abisso fra Dio e l'uomo, del presunto uomo
"autonomo" e della sostituzione del Dio trinitario con dèi e idoli nuovi: natura e ragione
(panteismo e deismo), arte (esteticismo), macchina (materialismo), caos (antiteismo,
nichilismo).
I temi, i soggetti e i princìpi rappresentativi, come pure la tecnica dell'arte sono stati
già definiti.
Così, per esempio, il nuovo affermarsi dell'elemento piano è in rapporto con la definizione
fondamentale dell'epoca che dice: l'elemento piano e quello spaziale guadagnano
ambedue terreno a spese dell'elemento plastico.
Ma proprio in questa contrapposizione delle epoche si dimostra che anche i tratti
apparentemente simili significano, in sostanza, qualche cosa di diverso. Il nuovo dominio
del piano nell'arte moderna ha un senso completamente diverso che non nell'arte
pregotica. Nella pittura romanica l'attaccamento alla superficie piana è l'espressione
dell'aldilà. Nell'arte moderna invece, il prevalere di essa viene a opporsi a quell'elemento
umano nell'arte, strettamente legato a quello plastico; diviene una limitazione
della libertà dell'" umano" in favore non di una trascendenza, alla quale non si crede,
ma della "elementarietà". È una trascendenza dell'elemento umano, non verso l'alto ma
verso il basso.
Tutto ciò dimostra che fino all'arte nuovissima e apparentemente secolarizzata, i
soggetti e i caratteri dell'arte sono determinati da una fede o da un surrogato della fede.
Anche se si tratta soltanto della superstizione di una setta moderna. "Perché non
esiste e non è mai esistito un uomo che non faccia sacrifici al suo dio o al suo idolo"
(Franz von Baader).
CONFRONTO FRA I QUATTRO PERIODI
Il confronto fra le epoche può essere esteso anche ad argomenti che non sono stati
compresi in questo scritto. Così, per esempio, anche le attitudini dell'uomo nei confronti
dell'arte sono ogni volta diverse. Mi limiterò a pochi accenni.
Atteggiamento adatto all'arte ieratica è una contemplazione spirituale fatta con "occhio
ultraumano", che però nel romanico si muta spesso in una specie di irrigidimento,
così come la forza della preghiera monotona può trasformarsi in un balbettio.
Per il gotico - come pure per il rinascimentale e il barocco - occorre invece una contemplazione
con sensi chiari e l'uso di una diversa sinestesia di tutti i settori sensibili, i
quali prendono tutti parte alla comprensione dell'elemento celeste.
Per l'arte moderna è necessario un isolamento dei vari sensi. Le correnti più recenti
usano osservare sia con lo sguardo desto di chi ha vegliato fino all'estremo limite (o di
chi è in stato di narcosi), sia con uno sguardo nel quale i sentimenti non appaiono lucidi
e chiari, ma oscuri e semi-addormentati, sguardo al quale si giunge tutte le volte
che ci si immerge nell'inconscio (così, lo sguardo fisso favorisce la scomparsa del senso
che noi abbiamo degli oggetti comuni e familiari, l'ebbrezza favorisce la labilità del
mondo visibile, ecc.). Può insorgere anche il fenomeno dell' "esotismo dei sensi" (Rimbaud).
Le epoche si distinguono, inoltre, per i pericoli cui sono soggette.
Il pericolo di tutte le epoche ieratiche - nella nostra storia, quindi, di quella romanica
- è la rigidezza, la mummificazione, lo schema, il "simile", cioè un modello tramandato.
Il pericolo del gotico consiste nel carattere troppo grazioso, nella somiglianza al
giocattolo, nel naturalismo, oppure nell'arido, nel dottrinario, nell'involuto.
Il pericolo infine di tutte le epoche antropomorfe - in questo caso, dunque, del rinascimento
e del barocco - è la gara con la realtà (l'illusionismo, lo scambio dell'arte con
la scienza, il virtuosismo, l'accademismo).
6 aprile 2013