L'OSSERVATORE ROMANO

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È morto Léopold Sédar Senghor, il «poeta della negritudine»
«Ascoltiamo battere
il nostro sangue scuro
Ascoltiamo battere il polso
profondo dell'Africa»
Giovedì 20 dicembre è morto, nell'ospedale
universitario di Caen in
Normandia, il poeta senegalese Léopold
Sédar Senghor, primo presidente
del Senegal indipendente dal 1960
al 1980, membro dell'Accademia di
Francia e per diversi anni membro
delPontificioConsigliodellaCultura.
CLAUDIO TOSCANI
L'occhio dell'Africa che fissa l'oceanico
rimescolio dell'Atlantico. Questo il
Senegal. Bassopiano sabbioso e savanico
conteso tra gli umidi alisei e l'asciutto,
continentale harmattan. Qui, novantacinque
anni fa (1906), nasceva Léopold
Sédar Senghor, l'anima d'un'Africa che
mai come in questo secolo ha fissato,
con lo sguardo secolarmente immobile
della sua ignorata civiltà, l'occidentale
rimescolio delle oltranze e degli oltraggi,
il mondiale abisso degli eventi e degli
avventi.
Il punto esatto è Joal - la Portuguaise
(nei pressi di Dakar, la capitale), così
chiamata dai dominanti iberici, ma
quando lui nasce il Senegal è colonia
francese da quasi cent'anni. E la popolazione
è contadina, suo padre è agricoltore,
sua madre una donna socialmente
in vista ma senza altro rilievo, l'aria che
si respira in casa politicamente integrata,
l'atmosfera cristiana, convintamente
cristiana.
Senghor è avviato agli studi. Prima
nella cittadina natia, poi a Dakar (presso
i missionari cattolici), infine a Parigi (al
liceo «Louis-le-Grand» e all'«Ècole normale
superieure»). Insegna greco e latino,
per prima cosa («Cercavo le radici
comuni alle lingue europee e alle lingue
africane»), e ha trentott'anni quando diventa
professore all'«Ècole Nationale de
la France d'Outre-mer».
Influenzato dalla poesia dei trovatori,
di Paul Claudel e di Saint-John Perse,
Senghor, benché scriva in francese, resta
saldamente ancorato alla tradizione
«dyali» della sua patria («Io, insomma,
ho vissuto in questo regno, ho visto coi
miei occhi, udito con le mie orecchie,
gli esseri favolosi al di là delle cose...
Perciò mi è bastato nominare gli elementi
del mio universo infantile, per
predire la Città di domani, quella che risorgerà
dalle ceneri dell'antica»).
Mentre cura l'Antologia della nuova
poesia nera e malgascia, dà alle stampe
Hosties noires. È il 1948 e ancora non è
l'araldo della «negritudine», né tanto
meno il mito della cultura senegalese,
ma i suoi quarantadue anni lo hanno
già rivelato come l'affidabile personaggio
della letteratura neo-africana, perché
nel frattempo (1946) ha già pubblicato
Canti d'ombra e non lontana (1949) è
l'edizione di Canti per il Natale («Ogni
anno quando il rhum della primavera fa
fiammeggiare il ricordo / Rimpiangerò il
paese natìo»).
Sul piano politico, Senghor entra nel
governo (1955) in qualità di Segretario
di Stato per gli Studi Scientifici. Quatto
anni dopo è Presidente del Parlamento
nella neonata e provvisoria Federazione
di Mali, per approdare infine, una volta
ottenuta l'autonomia, alla presidenza
della Repubblica senegalese (1960-'80).
Ora Senghor può parlare per tutti
(«Novella nobiltà è per noi non già dominare
il nostro popolo / ma esserne il
ritmo, e il cuore / Non pascolare le ter-
Appuntamenti
culturali
Roma, 22 dicembre
«Archeologia violata»
Il 22 dicembre, a Castel S. Angelo,
apre al pubblico la mostra
«Archeologia violata»: fino al 30
marzo saranno esposti reperti
archeologici fra il IX sec. a.C. e
l'VIII sec. d.C. recuperati dal
mercato nero dell'arte.
Napoli, 22 dicembre
«Venite Pastores»
In occasione della riapertura
della Basilica di s. Paolo Maggiore,
la Cappella Musicale di
s. Giacomo eseguirà un concerto
dal titolo «Venite Pastores».
Roma, fino al 3 febbraio
Gaudí e la fotografia
«Antoni Gaudí: una visione poliedrica
— L'opera di Gaudí nella
fotografia catalana contemporanea»
è il titolo della mostra
che sarà aperta al pubblico, fino
al 3 febbraio, presso l'Istituto
Cervantes.
re, ma come il grano di miglio dissolvercinellaterra/Nonessere
la testa del popolo,
ma la sua bocca elasuatromba»).
Per tutti, in realtà, Senghor aveva già
più volte parlato («La poesia è canto, se
non musica. È tempo di arrestare la decadenza
del mondo moderno, soprattutto
della poesia. La poesia deve tornare
alle sue origini, all'epoca in cui veniva
cantata e danzata»). La stessa «negritudine»,
egli l'aveva annunciata ai bianchi
piùcheaineri, nellacoscienzachela culturaeuropeadelNovecentoerastataprofondamente
rigeneratadall'arte africana.
Nella lingua di Senghor la parola è
analoga all'immagine e il senso diviene
evidente anche al solo e semplice nominare
le cose. Ma nella tropicale abbondanza
delle immagini, nella sensibilità
ritmica, nel dolore, nella memoria, nell'ammonizione,
la parola di Senghor dice
l'orgoglio dell'Africa nuova.
La sua opera si libera ancor più e meglio
nelle poesie di Etiopiche (1956), di
Notturni (1961), di Elégies del Alizérs
(1969) e di Lettres d'hivernage (1973),
mentre si consolida, al tempo stesso, il
suo profilo di personaggio politico (da
Politica africana, del '63, a Negritudine
e umanesimo, nei tre noti libri pubblicati
tra il '64 e il '77).
«Iniziandomi alle alterne verità della
notte e del mezzogiorno...» scrisse una
volta Senghor, riferendosi alla sua formazione.
E c'è chi ci ha visto, in filigrana,
il Leopardi del brano che dice: «La
stanchezza, il riposo e il silenzio che regnano
nelle città, e più nelle campagne,
sull'ora del mezzogiorno, rendettero
quell'ora agli antichi misteriosa e secreta
come quella della notte: onde fu creduto
che sul mezzodì più specialmente
si facessero sentire gli Dei, le ninfe, i silvani,
i fauni e le anime de' morti».
I ricordi d'infanzia di Senghor coincidono
con la vena più profonda e più religiosa
della sua ispirazione poetica.
«Ascoltiamo il suo canto, ascoltiamo
battere il nostro sangue scuro, ascoltiamo
/ Battere il polso profondo dell'Africa
nella caligine dei villaggi sperduti
[...] / che io respiri l'odore dei nostri
Morti, che io raccolga e ridica le loro
voci viventi, che io impari a / Vivere
prima di scendere, oltre il palombaro,
nelle alte profondità del sonno».
Senghor ha raccolto tutti gli onori del
mondo: lauree, nomine, accoglienze, accademie.
Di tutto questo, però, ha saputo dire:
«Gli onori splendono come un Sahara.
Un vuoto immenso».
L'OSSERVATORE ROMANO Sabato 22 Dicembre 2001
Di fronte ad alcune miniature della Natività in antichi codici e manoscritti
Dalla semplicità della composizione emerge una bellezza che stupisce
COSIMO LANZO
La recente morte del grande storico
dell'arte Gombrich ci ha impegnati a
comprendere che l'iconografia senza lo
studio iconologico di un'opera figurativa
non ha senso. Né tantomeno narrare o
raccontare cosa veramente sia un capolavoro
può aver senso se non si tiene
conto dei linguaggi che l'arte esprime e
le strutture nelle quali l'arte del singolo
artista si esprimono coinvolgendo ambiente,
psicologia ed evoluzione storica.
Un preambolo per dire che nel confrontarsi
con codici antichi, o manoscritti,
o libri miniati non ci si può sottrarre
dal manifestare stupore e incredibile
sorpresa.
Le miniature del Natale. Ne abbiamo
consultate alcune: ingrandite, focalizzate,
esaminate nei contenuti storici e
ambientali. Si riesce a percepire arte,
vera arte, si coglie l'enorme dedizione
posta ad affermare fede e movimento,
preghiera e teologia dei personaggi; colori
vivaci e movimenti architettonici
relativi all'ambiente umano dove queste
miniature sono state prodotte e realizzate;
tutte, in un contesto della «Parola
di Dio» che «prega» e coinvolge alla
preghiera.
La mostra «L'Espressionismo - Presenza della pittura in Germania, 1900-2000» a Palazzo Bricherasio di Torino
Una forza intuitiva e impulsiva guida
l'artista a «gridare» segni e colori sulla tela
GIUSEPPE DEGLI AGOSTI
La mostra su « della Pittura in Germania,
1900-2000», al Palazzo Bricherasio
di Torino ripropone il movimento
d’arte nel suo momento storico degli
inizi del secolo XX e alcuni altri artisti
dal secondo dopoguerra al 2000 che pur
volendo superare l’Espressionismo, restano
nella sua scia e sentono il suo influsso.
Essi sono, fra tanti altri, Georg
Baselitz, Anselm Kiefer, Gerhard Richter.
Tuttavia la Mostra ha la sua maggiore
dignità e valenza per la possibilità
che offre di ammirare ancora le opere,
circa 80, delle due anime che hanno
caratterizzato l’Espressionismo: il
Gruppo «die Brücke» di Ernst Ludwig
Kirchner, Karl Schmidt Rottluff, Erich
Heckel e «der Blaue Reiter» di Vassily
Kandinsky, Gabriele Münter, Alexej Jawlensky.
I due movimenti, nati rispettivamente
nel 1905 e nel 1911, pur nel loro breve
percorso storico, hanno tuttavia introdotto
nell’arte del ’900 una novità e
originalità tedesca nell’insieme dei movimenti
artistici innovativi del ’900
quali per es. il Cubismo e il Futurismo.
L’Espressionismo si caratterizza, pur
senza voler assolutizzare il giudizio, per
un elemento di antiintelletualismo e
antirazionalismo, per una reazione all’Accademia
di Dresda e di Monaco,
mentre lascia prevalere una forza intuitiva
e impulsiva che si traduce in un
colore di grande energia sulla tela: la
pittura diventa esperienza libera e aperta
verso tutto ciò che è nuovo, fresco,
diverso. Per der Blaue Reiter (Il cavaliere
azzurro) c’è anche il ritorno all’arte
A Novacella, a pochi chilometri a
Nord di Bressanone, abbiamo avuto sottomano
un codice graduale, musicato in
canto gregoriano; in un ovale circoscritto
dalla lettera P, ammiriamo un Natale
a dir poco stupefacente: il Bambino steso
in una mangiatoia che si protende
verso la Madre; Maria in preghiera, con
alle spalle s. Giuseppe mentre il bue e
l'asinello, vivacissimi, sono intenti «al riscaldamento
del Bambino» e alla «meraviglia
del Dio-fatto uomo». Il contorno
di angeli osannanti; in un contesto di architettura
tirolese con pastori, pecore e,
chissà quant'altro, verso il cielo infinito.
Mille particolari tutti da «rileggere e
interpretare» per comprendere e raccontare
con saggi di iconologia quanto
la mirabile miniatura «esprime». Da
sottolineare anche la fede nel realizzare
il miniato perché il testo sia consono alla
preghiera corale e al mirabile canto
gregoriano.
Altra miniatura, da un Corale con
canto gregoriano del sec. XV conservato
nella Biblioteca Rilliana di Poppi (Arezzo):
ancora un Natale e nell'alveo della
lettera P i personaggi essenziali del Natale:
Gesù, Maria, Giuseppe, bue e asinello
con pecore e angeli; opera a colori
vivaci e tanta compostezza e semplicità.
Vasilij Kandinskij,
«Prova di copertina
per l'Almanacco
del Cavaliere Azzurro»
August Macke, «Albero in un campo di grano»
primitiva, al disegno dei bambini, al
folclore.
I temi ricorrenti sono quelli della tradizione:
paesaggi, persone, città, animali,
ma il segno cromatico o grafico
esprime ebbrezza, contrasti, un rapporto
immediato e intenso fra l’uomo e la
natura. Anche se in questo rapporto
non è più la natura l’elemento primario
da rendere visivamente sulla tela,
ma gli oggetti nel quadro sono interpretati
dal soggetto, per cui possono essere
deformati o reinventati: è l’animo a determinare
il senso della forma, ciò che
fa procedere l’arte verso l’astrazione.
Alexej Jawlensky, del gruppo di Kandinsky,
poteva scivere nel 1938: «Capivo
di non dover dipingere ciò che vedevo e
neppure ciò che sentivo, ma solo ciò
che viveva in me, nella mia anima».
L’arte per l’Espressionismo è quindi
un continuo procedere senza il vincolo
della convenzione, è sottrazione dai
condizionamenti politici e sociali, è
una forma di ribellione alla società
borghese, un modo nuovo di organizzare
la vita partendo dall’arte, anche se
gradualmente entrano nell’arte espressionista
elementi negativi della società
come la crudeltà e l’imbarbarimento,
quasi preludio della tragedia della Prima
Guerra Mondiale.
I primi anni del ’900 videro a Dresda
Miniatura della «Natività»
nel Codice di Novacella
Ancora della stessa biblioteca Rilliana,
una miniatura della Madonna con il
Bambino in «Officia B. Virginis»: sempre
il Bambino, al collo della Madre,
proteso... come a dare la Vita, sempre.
Ma scendiamo a Trani, nella Biblioteca
esposizioni che stimolarono gli Espressionisti
a continuare sulla via intrapresa
di una «rivoluzione»culturale e artistica:
anzitutto Van Gogh nel 1905 e
1908, che aveva proposto una fusione
fra arte e vita, fra mondo interiore ed
esteriore, di Munch nel 1906, degli Impressionisti
Francesi nel 1906, di Klimt
nel 1907.
Nel 1910 l’inaugurazione sempre a
Dresda del Museo Etnologico aveva ri-
Georg Grosz, «Due veterani di guerra» Erich Heckel, «Testa di donna»
comunale ritroviamo in codici miniati
del 1400, il Natale per la recita dell'«Ufficio
Divino» senza canto; miniature
semplici e con tanta compostezza: Gesù,
Maria, Giuseppe, con bue e asinello; il
tutto, in una capanna con s. Giuseppe
impegnato a dar luce nel cono d'ombra
non interessato alla luce divina del Bambino
Gesù.
Sempre a Trani, nella stessa biblioteca
troviamo un altro codice miniato «per
Ufficio Divino»; altra scena semplice,
con i Magi venuti ad adorare il Bambino
con doni e paludamenti di terre lontane;
estrema semplicità nei tratti, ma
anche tanta Fede, espressa nella compostezza
e linearità dei personaggi.
Dal 1400 risaliamo in su, al sec. XI,
con una miniatura «Annuncio ai pastori»
di scuola Ottomana «Pericope di Enrico
II» conservata a Monaco di Baviera: anche
qui, compostezza, linearità dei tratti
somatici dell'Angelo e dei pastori in un
contesto ambientale non meglio identificato
ma comunque attinente all'autore e
al luogo dove la miniatura è stata realizzata.
In ogni caso il dialogo tra il Divino
e l'umano è molto evidente: l'Annuncio
è chiaramente percepito dai pastori e
sui loro volti si coglie benissimo il segno
della Trascendenza.
Karl Schmidt
Rottluff
«Amiche»
Vasilij Kandinskij
«Paesaggio con torre»
velato agli artisti la novità dell’Arte
Extraeuropea, dei mondi lontani dell’Africa,
della Micronesia, delle Isole Palau.
L’Espressionismo tardo, cioè dal 1950
in avanti, documentato con una piccola
serie di tele in esposizione, percorre
altre strade, per una ricerca figurativa
esasperata, violenta e sarcastica, e negli
anni ’60/’70 anche con una connotazione
di contestazione politica. L’Espressionismo
è stato tuttavia per tutto
il secolo XX il leit motiv di tutta l’arte
in Germania.
Nel percorso della Mostra alcune
opere documentano questa visione «rivoluzionaria»:
basti ricordare «Villaggio
con strade blu» di Kirchner, «Le Amiche»
di Schmid-Rottluff, «Maturità» di
Jawlensky, «Disegni figurati» di Paul
Klee, «Scimmietta e uomo» di Franz
Marc, «Figure a un tavolo» di Georg
Grosz, «Giovani morelli» di Emil Nolde.
«Die Brücke», nato nella città di Dresda,
passato poi a Berlino, quindi dalla
Germania ha trasmesso il suo impulso
innovativo all’arte europea.
Il nome «Brüke» fu trovato da
Schmidt Rottluff. Scriverà più tardi
Heckel: «Schmidt Rottluff disse che
avremmo potuto chiamare la nostra Associazione
“Die Brücke”, il Ponte: era
una parola a più sensi, non avrebbe significato
un programma, ma in certo
modo avrebbe condotto da una sponda
all’altra». Il 7 giugno 1905 veniva fondata
«L’Associazione del Gruppo di Artisti
Brücke» a Dresda.
Si ritrova in questi pittori una spiccata
estrosità: l’arte è solo elemento di
figurazione, è risultato di un intimo
sentire, senza intenzione di pervenire
ad uno stile determinato.
Nel 1906 la Brücke pubblicava il suo
programma di otto brevi righe: «Con la
fede nello sviluppo, in una nuova generazione
di creatori e di fruitori, noi
convochiamo l’intera gioventù, e in
quanto giovani, cioè portatori del futuro,
intendiamo conquistare la libertà di
vivere e di operare, opponendoci ai vecchi
poteri costituiti. È dei nostri chiunque
sappia dar forma direttamente e
senza falsificazioni a ciò che lo spinge
a creare». Lo svolgimento cronologico
della Brücke fu tuttavia breve, 1905-
1913.
Emil Nolde entra nel Gruppo nel
1906, ma vi resta solo un anno e mezzo,
poi si separa: dal Gruppo aveva appreso
la xilografia, al Gruppo aveva insegnato
l’acquaforte.
Nell’autunno del 1911 frattanto alcuni
membri del Gruppo: Kirchner, Heckel,
Schmidt Rottluff, si erano trasferiti
a Berlino e nella capitale, oltre a scegliere
un rione autonomo per i loro atelier,
presero a svolgere una attività pittorica
con carattere e stile più individuali:
e fu il principio del dissolversi
del Gruppo. Ciò che avvenne poi il 27
maggio 1913, quando con un laconico
avviso ai «soci passivi», quattro Artisti
del Gruppo, cioè Amiet, Heckel, Müller,
Schmidt Rottluff scivevano: «Vi comunichiamo
che i sottoscritti hanno deciso
di sciogliere il Gruppo di Artisti
Brücke».
L’Espressionismo tedesco della Brücke
è relativamente conosciuto in Italia,
anche sul piano critico, mentre è più
conosciuto nella espressione artistica di
«Der Blaue Reiter — Il Cavaliere Azzurro»
di Monaco di Baviera. Quindi è ancora
più appetibile questa Mostra che
svela qualcosa di quella corrente di artisti
tedeschi che, insieme alle altre
avanguardie europee d’inizio secolo —
del 1909 è il Manifesto del Futurismo di
F.T. Marinetti, ma il primo quarto del
sec. XX fu tutto un pullulare di originali
orientamenti —, ha impresso un
nuovo corso all’arte.
Le tematiche prevalenti del loro operare
artistico sono: l’uomo e il nudo, la
natura e il paesaggio, le architetture, la
danza e il circo. Le tecniche sono varie:
olio, gessetti, carboncino, acquarelli,
xilografia, litografia, matita, pastello,
acquaforte, acquatinta. La Mostra offre
quest’altro spaccato di un periodo dell’arte
tedesca, che rappresenta però un
momento essenziale per il cammino
dell’arte europea del ’900.