Lectura previa

por la civilización, deslizándose a hacia modos de vida cada vez más marginales. Desarrollaron una voluntad de
transgresión social y la sostuvieron con orgullo 533 .
2°) Los modernistas orientaron su búsqueda hacia el arte en sí mismo. El movimiento romántico
propugnaba una vuelta a la naturaleza, una búsqueda de la naturaleza verdadera. Para los modernistas aquella
“naturaleza” era el resultado del trabajo, que el arte había volcado sobre ella. De manera que el arte no era
solamente el lugar de la verdad, sino también el fin, el objetivo perseguido.
El movimiento artístico del siglo XIX acompañó el proceso de la revolución industrial y de la
expansión del capitalismo. Una aguda descripción del proceso industrialista fue desarrollada en escritores
como Balzac y Zola. En lo literario, sus momentos fueron: el realismo, el naturalismo, y luego, el
impresionismo. Se puede ver, a través de esos momentos, cómo los artistas abandonaron la descripción de la
naturaleza, para indagar en el arte mismo.
3°) El modernismo puso al sujeto en el centro del arte. Por ejemplo: en la pintura de los impresionistas,
no se dibujaba la naturaleza tal cual es, sino tal como la percibe el pintor, subjetivamente. El pintor impresionista
no reproducía los colores «objetivos» que veía en el modelo, no copiaba los colores de las cosas, sino que se
ponía él mismo en los colores 534 . Las pinturas de Cézanne, en las que se juega con los colores en un proceso,
que es completamente frío y calculado, son típicas en este sentido. No se trata de la reproducción de la
naturaleza tal como se aparece, sino del estudio de cómo el pintor percibe la realidad y la construye fríamente.
Detrás de todos sus cuadros hay formas geométricas: cálculo y descomposición. Allí se encuentran las bases del
cubismo, tal como se desarrollará a principios del siglo XX.
4°) El subjetivismo, que puso al sujeto en centro del arte, tendió a concebir el fenómeno estético como
lenguaje, más que como reproducción o representación. En las pinturas de van Gogh, por ejemplo, no se
reproduce la realidad tal cual la vemos, sino la realidad tal como la vive el pintor. Lo verdaderamente real no es
la naturaleza, sino la expresión 535 . Y en última instancia, todo es expresión. Así como para el medieval todo era
símbolo, que anudaba el cielo con la tierra, así para los modernistas, la naturaleza era una metáfora, que
expresaba algo que estaba por detrás, y que se revelaba a quien pudiera captarlo a través del arte. El arte
expresaba lo más profundo de la realidad, que el común de los hombres no era capaz de percibir, por estar
sometidos a la oscuridad mezquina de la cotidianeidad burguesa o a la mutilación reductora de la racionalidad
científica.
5°) La misión del artista era develar los secretos, «inspeccionar lo invisible». “Hay que ser capaces de
ver visiones” -decía Rimbaud. Lo que el artista buscaba no era la realidad misma, sino Las «visiones» que están
detrás de ella. Pero sólo los elegidos lograban resistir esta «deshumanización» de los sentidos, esta
maximización de las sensaciones, que es necesaria para poder develar el trasfondo. Y el artista que lo lograba,
creaba una diferencia abismal con los demás hombres, en tanto que rompía con todas las formas normales de
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“En otros tiempos, en el fervor de una historia revolucionaria fue posible esperar changer la vie [cambiar de vida], como
decía Rimbaud. Ahora, frustradas aquellas esperanzas, era necesario hallar en otro lado una condición que no había sido
posible crear dentro de las fronteras de Europa. Inmerso en esta peripecia, halla explicación el grito más angustiado de
Rimbaud: «La auténtica vida está ausente. Nosotros no estamos en el mundo.» Y cuando esta operación resulte vana
entonces ya no quedará más que elegir otros caminos y buscar la libertad en el sueño o en el silencio del propio Yo interior
o en soluciones metafísicas” (De Micheli, M.: Las vanguardias artísticas del siglo XX, Madrid, Alianza Editorial, 4°
reimpresión, 1985, pp. 55-6. Corchetes nuestros.)
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“Pero siempre, expresión de la realidad, o mejor aún, del hombre añadido a la naturaleza. Esta vieja definición
baconiana de la técnica la recogía van Gogh con un significado espiritual rico en emocionante tensión: «No conozco mejor
definición de la palabra arte que ésta: el arte es el hombre añadido a la naturaleza. La naturaleza, la realidad, la verdad,
pero con un significado, con una concepción, con un carácter que el artista hace salir y a los que da expresión»” (De
Micheli, M.: 1985, p. 28. Cursivas nuestras).
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Dice van Gogh: “El color expresa algo por sí mismo”. Y también: “En lugar de intentar reproducir lo que tengo ante mis
ojos, me sirvo de los colores arbitrariamente, para expresarme de modo más intenso”. (Citado por De Micheli, M.: 1985,
pp. 28 y 36; negritas nuestras).
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