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ERZA T PAGINA .
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3 .
Ricordo di Geno Pampaloni
Un critico attento
alla «filigrana» morale
CLAUDIO TOSCANI
In una delle ultime pagine della Storia
della letteratura italiana curata a
suo tempo da Emilio Cecchi e Natalino
Sapegno, c'è un veloce riguardo alla più
recente critica militante, quella, per intenderci,
esercitata a caldo, sugli spalti
della più bruciante contemporaneità degli
eventi letterari.
Più arduo, dice all'incirca il brano, è
precisare i legami con il più mutevole
sfondo delle vicende culturali dell'ultimo
cinquantennio dei molti articolisti e saggisti
impegnati nelle vicende del gusto
contemporaneo e la cui attività si svolge
essenzialmente nelle riviste e nei quotidiani.
Ed ecco, fra i pochissimi ritenuti degni
di citazione, il nome di Geno Pampaloni,
appassionato cronista, oculato
registratore di fatti, informatissimo bibliografo,
preparato e fine, sensibile e
spesso avvincente, d'una sola cosa rimproverabile,
di non aver mai raccolto organicamente
i suoi più significativi interventi,
i suoi più penetranti rilievi.
Salvo pochissimi titoli, così è stato fino
alla fine.
* * *
Nato a Roma nel '18, Pampaloni ha la
più parca «fedina» editoriale che si conosca
fra quelle dei vari intellettuali
operanti nel nostro secondo Novecento.
Attivo fin dal 1935 in periodici o giornali,
solo nel 1980 Pampaloni pubblica il
suo primo libro, di natura per altro non
letteraria, ma chiaro omaggio alla vita e
all'opera di un illuminato mecenate della
cultura italiana (Adriano Olivetti:
un'idea di democrazia).
Ma il suo titolo di più precipua e
omogenea analisi critica, resta a tutt'oggi
quel Trent'anni con Cesare Pavese
(del 1981), libro di testimoniante solidarietà
intellettuale e morale con uno
scrittore che per decenni suscitò grandi
passioni e grandi discussioni, ultimo
umanista e ultimo razionalista al tempo
stesso, contraddittoria figura d'uomo
aperto, vigile, sollecito, tanto quanto in
crisi, assediato da «religiosa» infelicità,
da esistenziale insufficienza, da sacrificato
moralismo.
Pampaloni è già qui il ritratto dell'operatore
informativo e giudicante dal
perfetto sigillo di lealtà, che dalle vaste
ragioni umane del suo oggetto di studio
sa cogliere anche il sentimento della serietà
della vita, anche la filigrana morale,
oltre alla più o meno valida dimostrazione
di esteticità.
Inaspettatamente Pampaloni dà nell'83
alle stampe un lavoro narrativo. Si
tratta di Buono come il pane, memorie
di giovinezza e di morte, prosa letteraria
di qualità centrata su piccoli cespiti ispirativi
(un amico, due piccoli cani, un
gatto, cose minime e oscure, ricordi),
come è da sempre nelle regole della bella
scrittura, della scrittura d'arte, che
qui non si concretizza comunque nella
sola epifania musicale della pagina, ma
anche nella grazia sofferta e nel pathos
gentile del racconto, in uno stile struggente
ma non retorico.
A questo punto Pampaloni è già un
affermato pontifex della nostra critica
che, oltre alla giornaliera milizia recensistica,
sistematizza in interventi più approfonditi,
alcune nostre grandi figure
letterarie come Cecchi, Svevo, Alvaro,
Brancati, Movetti, Silone, Vittorini, Noventa
ed altre. In più lavora come collaboratore
editoriale (presso Vallecchi ed
Edipem, soprattutto) riuscendo a far
pubblicare testi di Bo, di Bilenchi, della
Ortese, di Landolfi e di alcuni stranieri,
come Roth e la Arendt.
* * *
Dotato di esemplare discrezione (tentiamo
qui, al caso, una formula che gli
sarebbe forse giunta gradita, di orgoglio
della modestia), Pampaloni sente il «dovere»
più che il «piacere» del testo, intendendosi
con ciò la sua effettiva e morale
necessità nel mondo. Il suo commento
da prima linea (come s'è detto
Pampaloni era di quelli che scrivono su
un libro appena questi varca la porta
dell'editore verso la sua fruizione, verso
il suo «consumo»), non è stato mai assimilabile
a quello dei non pochi analisti
dallo stagionale (se non ebdomadario)
svenimento davanti a un qualche capolavoro.
Pampaloni manteneva la capacità di
stupirsi, onestamente, non certo a comando,
né su sollecitazione, e se è vero
che non era incline alla stroncatura palese
e frontale (chi lo ha fatto, o lo fa,
lascia evidenti segni di ragioni ideologiche
e quasi mai letterarie), non si esimeva
dal far capire l'inutilità ontologica di
certi libri o romanzi, con l'agrodolce
gentilezza che lo caratterizzava anche
nel dialogo. Cercava più spesso l'assoluto
della vita nelle minori e minuscole
contingenze della letteratura, narrativa e
poetica che fosse, scovando verità, grazie,
peccati, idee nelle più riposte pieghe
dei testi.
«...per insignificante che sia, questo è
un libro di buona fede letteraria, nato ri-
ga per riga nel segno della letteratura»:
così Pampaloni scrisse in appendice a
Fedele alle amicizie (dell'84), altro bel
titolo, fra i pochi suoi, per i suoi pochi
volumi. Testo di singolare eleganza e di
«involontaria» creatività, questo lavoro
contiene un memoriale su sessant'anni
di vita italiana (1923-1983), dall'avvento
del fascismo alla barbara uccisione di
Moro (ma da fascismo a fascismo può
ben dirsi, se dai tempi in cui la nazione
era insidiata, surrogata e sopraffatta dalla
ideologica faziosità del regime «nero»,
allo ieri terroristico in cui qualcosa di
essenziale si incrinò).
Ecco: Pampaloni ha percorso questa
parabola, o arco di fuga di una traiettoria
che non ci è mai stata così oscura e
temibile come in quei tempi in cui l'animo
non seppe capacitarsi d'altro se non
della minima, residuata umanità riassunta
nel titolo, la fedeltà alle amicizie, non
quelle opportunistiche, dai fertili incroci
di favori, ma quelle che venivano richiamandosi
ai valori di una irriducibile e
generativa entità di affetti, di emozioni,
di memorie, di cultura, di vibrazioni intellettuali,
di primaria religiosità.
Fedele alle amicizie, dunque, come
una sorta di poetica dello spirito e, a un
tempo, archivio di ricordi, giudizi, ritratti,
ambienti, quadri d'epoca, episodi
di guerra e di dopoguerra.
In pagine che, volta a volta, raccontavano
di storie private, scattavano istantanee
sociali, descrivevano personaggi
dell'industria, della politica, della letteratura,
dipingevano scene di massa, suscitavano
cordiali soprassalti di vita familiare,
animavano bozzetti.
E l'intenzione rimaneva quella di stabilire
un'intima rispondenza tra fatti accaduti
da decenni e situazioni o idee del
dopo, in una continuità di tessuto dialettico
(da etico, a morale, a religioso, ma
anche, da cronologico a storico, metastorico).
Ogni volta, insomma, Pampaloni,
da «provinciale europeo» in un'Italia
diventata «ecumenico» ma impersonale
ricetto di sintomi e di segnali, attingeva
alla memoria perché solo ruminando la
tradizione poteva disporsi a digerire il
futuro, lui, uno dei pochi intellettuali
del nostro tempo che sempre aveva saputo
insinuarsi nell'appiattimento generaledei
principi e dei valori nel tentativo
di ridar loro consistenza e spessore, di
mantenerli sul filo della comunicatività.
* * *
Nel suo esiguo carnet Pampaloni vanta
ancora due titoli, recentissimi, di cui
il pubblico, anche per il voluto silenzio
dell'interessato, non s'è quasi accorto:
Bonus Malus e I giorni in fuga (entrambi
del '94). Il primo, ulteriore esempio
di narrazione dal taglio memorativo;
il secondo, ulteriore cammino autobiografico
lungo strade di storia patria e familiare.
È stato così, che muovendosi tra i libri
e la vita, tra metafore e ideologie,
idee e prassi, invenzione e destino, storie
e stili, Pampaloni ha impersonato
uno degli ultimi simboli della critica come
quotidiana ricerca di accettabili
creazioni letterarie, per il tramite di una
duttile onestà, di linguaggio, di un agile,
alto, nobile pensiero, solidamente illuminato
da cristiane ragioni, da nitide evidenze
morali.
Sopra la salsa sciapa della cronaca
editoriale spacciata per critica, sopra la
claque degli ottimisti proliferata all'ombra
dell'industria della cultura, sopra
quel mondo cartaceo ormai troppo divulgato
da un giornalismo letterario che
non ha idee e ciononostante le esprime,
sopra il materialismo storico e il dionisiaco
decostruzionismo delle avanguardie
dagli agguati culturali e dagli eterocliti
tentoni sperimentali, Geno Pampaloni
fu ancora di quelli che, con felice
fierezza, non si accontentarono delle sole
ragioni del presente, ma che respinsero
la critica come canonizzazione dei
contemporanei, senza farne né un tribunale,
né un semaforo perennemente rosso,
né un codice di polizia.
Nel novembre '98, in occasione dei
suoi ottant'anni, mentre presentava il
suo ultimo libro, Sul ponte tra Novecento
e Duemila, (riproposta di suoi articoli
tra il 1947 e il 1953), si rabbuiò quando
gli chiesero l'attuale onestà dei critici.
Ricordando d'essere stato allievo dei
grandi Attilio Momigliano e Luigi Russo,
amico di Debenedetti, di Cecchi e di Folena,
osservava che la critica disinteressata
oggi non esiste più. Che della moralità
professionale dei critici d'oggi dubitava
forte. Che la felicità è la buona coscienza.
Parole dolorose, ma per le quali,
proprio per questo, si sa a chi dire
grazie.
Sotto l'egida etica ed estetica di Renato
Serra, Pampaloni fece della sua dignità
di lettore di prima istanza una bandiera
dalla signorile indulgenza tanto
quanto dall'intransigente equanimità. Né
retore né rettore, è stato uno degli ultimi
a vedere nei testi altrui i lasciti, gli
invenimenti, le invenzioni, le intuizioni,
la cultura, la storia, la forma. Ma, quel
che più conta, la presenza o meno di
una sostanza morale.
L'OSSERVATORE ROMANO Venerdì 19 Gennaio 2001
Olivo Barbieri
«La Fincantieri
a Marghera»
Lewis Baltz
«Venezia»
In un volume fotografico documentate le trasformazioni del territorio veneziano
Il paesaggio inteso come esperienza visiva
che coinvolge il sentimento e l'intelletto
GIUSEPPE COSTA
Con la pubblicazione di «Identificazione di un paesaggio»
a cura di Sandro Mescola per la Silvana Editoriale
(Milano, 2000) si è concluso un interessante
progetto mirante a documentare con la fotografia le
trasformazioni del territorio di Venezia e Mestre. Il
progetto aveva già visto nel 1997 la pubblicazione di
un primo volume «Venezia-Mestre» per le Edizioni
Charta di Milano con testi del compianto Paolo Costantini
ispiratore e coordinatore dell'iniziativa assieme
a Fulvio Orsenigo e Alessandra Chemollo.
Se quest'ultimo volume aveva pubblicato la produ-
zione di 15 artisti italiani, quello più recente
dà spazio a 12 obiettivi internazionali. Il progetto
nel suo insieme ci offre non soltanto un
quadro-visione complessivo del territorio suddetto
ma anche dell'evoluzione in atto all'interno
della stessa fotografia di paesaggio a livello
italiano e internazionale.
Ci troviamo in entrambi i casi di fronte
una fotografia che interroga se stessa alla ricerca
non soltanto di immagini da catturare
ma di un linguaggio capace di rivelare il nesso
delle cose e il significato profondo di una
relazione. Non più quindi la foto-cartolina
ma come scrive Sandro Mescola, un paesaggio
inteso come esperienza visiva coinvolgente,
emotiva e sentimentale, anche intellettuale.
Il fotografo di queste immagini si rivela
vero «detective» del genius loci per ricordare
la celebre espressione di Benjamin. Si tratta
di una visione per dirla con Paul Virilio «paragonabile
al terreno di scavi dell'archeologo.
Vedere è essere appostati, in attesa di ciò che
deve sorgere dal fondo, senza nome, di ciò
che non presenta nessun interesse».
Lo stesso Paolo Costantini con riferimento ai quindici
fotografi presentati fra i quali ricordiamo Olivo
Barbieri, Gabriele Basilico, Giovanni Chiaramonte,
Guido Guidi e Mimmo Jodice, sottolinea che a partire
dalla insofferenza mostrata da Luigi Ghirri verso il ristretto
ambiente della fotografia italiana è in atto una
trasformazione tesa a formare nuovi paesaggi spirituali
più che a ripetere vecchi stereotipi.
«Il binomio Venezia-Marghera — scrive Costantini
— con le straordinarie tensioni fra natura, artificio e
storia che vi sono presenti ha forzato una liberazione
dello sguardo, attento alla molteplicità e alla coesistenza
delle differenze, e capace di rovesciare gerarchie
e luoghi comuni per contribuire al tentativo di
descrizione e decifrazione di profondi mutamenti:
quelli avvenuti (e che hanno portato alla configura-
Olî e disegni di Virgilio Guzzi esposti all'Accademia di San Luca a Roma
Una pittura tonale rigorosa nello studio del colore
CLOTILDE PATERNOSTRO
Figura poliedrica e complessa, Virgilio
Guzzi (Molfetta, Bari 1902 - Roma 1978)
storico dell'arte, critico e pittore, è presentato
in quest'ultima veste all'Accademia
Nazionale di san Luca in Roma con
una notevole rassegna di olii e disegni
(sino al 20 gennaio) curata dal figlio Domenico,
mostra ampia che dal 1920 va
sino alla seconda metà degli Anni Settanta
(Autoritratto, 1922 - Rissa, 1978).
Una mostra intesa quale lettura della
personalità dell'artista e lettura dell'evoluzione
plastica del Novecento della quale
Guzzi fu interprete e testimone insieme.
Pittura del XX secolo e pittura romana
soprattutto, avendo partecipato,
Guzzi, ai movimenti artistici di maggior
rilievo verificatisi nel tempo: Valori Plastici,
Novecento, Scuola Romana. Un
«naturalismo evocato» questo di Guzzi;
la visione del vero e in senso classicista
è il linguaggio del pittore sin agli Anni
Trenta. Una pittura tonale rigorosa nello
studio del colore, formalmente corretta,
una situazione figurata nella «scena»
ben costruita, dimostrazione quasi di
una tesi, il famoso quadro Natura.
Ma Natura in special modo, il quadro
dal «silenzio estatico» (Bellonzi): madre
e bambino, figure luminose e levigate
sono nella campagna resa nella delicata
forma delle piante dei colori miscelati
con sapienza; una fissità, un trasognato
immobilismo si palesano, motivi propri
dei Valori Plastici che perduravano, in
realtà, dagli anni Venti.
Fino al 1930 dunque la pittura di Guzzi
seguì la corrente classicista da tanti
esperita; fu la maniera più sentita forse
dal pittore, quella corrispondente ad un
intimo sentire aristocratico, distaccato,
tutto sovratono; successivamente la forma
si arricchì di quella pennellata fluida
e irruente caratterizzante la Scuola Romana
(1928 ca.) La Scuola Romana del-
Frank Gohlke
«Paesaggio
industriale»
zione attuale del paesaggio alle porte di Venezia) e
quelli che si annunciano ora sulla soglia».
Del resto lo spessore degli artisti catalogati è notevole.
Per tutti basta ricordare Basilico e Chiaramonte:
il primo, Gabriele Basilico è sin dall'infanzia un frequentatore
dell'area veneziana e vede in Marghera sì
un luogo misterioso e indecifrabile ma anche una zona
franca facente parte di un unico grande progetto
coerente e in divenire che dà identità a diversi territori;
mentre il secondo, Giovanni Chiaramonte, da sempre
aduso alle rive e alle spiagge marine — ricordiamo
«Terra di ritorno» e «Ai confini del mare» —, con
la sua ombra-luce «ama vedere Venezia come il rifu-
gio delle domande più dolorose, il luogo dove i desideri
inesauditi del cuore, che la luce nell'attività del
giorno gettava nell'ombra ai margini estremi della coscienza,
potevano finalmente emergere e prendere
corpo».
Anche se il paesaggio ha sempre caratterizzato la
fotografia — si pensi all'intuizione ottocentesca di Timothy
O'Sullivan nel considerare la natura come architettura
— è tuttavia con Walker Evans e Robert
Frank che esso incomincia a diventare documento.
Questa eredità verrà quindi accolta negli Anni Sessanta
da Ruscha in «Twenty-six Gasoline Stations»
(1962), da John Szarkowski, direttore del dipartimento
di fotografia del MoMA di New York attraverso varie
mostre negli Anni Settanta ed ancora da quella sorta
di manifesto di questa fotografia rappresentato dal volume
di Robert Adams «The New West» nel 1975 e cosi
via fino a Wim Wenders.
la quale Guzzi fu partecipe convinto,
portò infatti al rinnovamento del linguaggio
figurativo con l'accezione
espressionista esaltata da Scipione soprattutto,
e Mafai; la temperie romana
l'assorbì distaccandosi da un classicismo
oramai trascorso per avviarsi ad una
espressività sofferta, talvolta esasperata,
convulsa (Scipione).
Se Ragazza al tavolo (1935) o Studio
per autoritratto (1935) del Nostro rimangono
ancorati ad esiti novecenteschi,
saranno le opere successive Ritratto
di Stradone (1941) o Dormiente
(1945), le nature morte del '44, '45 ad
esemplare il nuovo dettato nella corposità
della pennellata densa, pennellata che
Virgilio Guzzi, «Autoritratto» (1935)
accentuerà il proprio humus coloristico
nei paesaggi degli anni Sessanta e Settanta
- Paesaggio a Forte dei Marmi
(1963), Alberi in Versilia (Alberi) (1964),
Paesaggio urbano (1977).
In riferimento alla Rissa n. 2 (1978) lo
stesso Guzzi scriverà nel famoso suo
Scartafaccio: «portare una rissa al limite
John Gossage, «Marghera»
del pittoricismo puro... ho dipinto risse
nel bar; delle quali una di tal violenza
cromatica e dinamismo che pure non
dissolvono il ritmo né disfano la forma
come realtà vista».
Il concetto di fondo, realtà vista, permane
quindi pur nella forma fagocitata
dalla tensione lineare e dal colore incalzante,
irruente: sempre rimane Guzzi
nell'ambito della figurazione legata alla
natura, alla realtà concreta sia nella figura
umana sia nella visione suggestiva
di paesaggi e scorci paesistici di delicata
malinconia. Sarà naturalismo, poi realismo,
accezioni in conseguenza di maturità
crescente, evoluzione, superiorità di
visione resa nella strutturazione del quadro
variamente articolata.
Se Natura del '30 aveva connotazione
precipua nella stabilità, la figura immota
nell'aurametafisica avvolta da magia, alla
fine degli Anni Sessanta vedremo anche
forme lignee, Bar di periferia (Bar),
1969, Donne e ritagli (1969), figure che
siaddensanoin composizioni serrate, dai
volumi squadrati, stagliati netti; alla fine
degli anni Settanta, Rissa, ad esempio,
o Controluce (1977) presentano invece
la freschezza del movimento, del dialogo
tra figure colte in gruppo intervenendo,
il pittore, nella luce e nell'ombra o nell'agglomerato
di forme frementi.
Sarà il movimento dunque che Guzzi
inserirà nelle movenze del corpo, specie
nella serie bellissima dei disegni che in
esposizione ammiriamo. Spontanei e vivissimi
sono i disegni, non solo bozzetti
o studi ma ritratti, nature morte con accentuati
innesti di movenze febbrili, Modella
di spalle che si pettina (disegno a
inchiostro su carta), Ritratto di Pericle
Fazzini (inchiostro su carta) e ancora ritratti
e ritratti di Tamburi, Ziveri, Montanarini,
amici, personaggi che assieme
ad altri, tanti altri, ritroveremo poi in
quel mirabile testo letterario di Guzzi:
«Ritratto dal vero di artisti contempora-
Baltz, Gossage e Shore sono presenti anche
in questo progetto veneto con immagini eloquenti.
Certo all'occhio del semplice spettatore
non tutte le immagini di tutti gli autori
rimbalzano con immediata significatività:
manierismo e simbolismo sono sempre in agguato.
Chiarissima è tuttavia la visione denuncia
del newyorkese John Gossage il quale fra l'altro
ricorda questo episodio: «Nella zona dove
realizzai gran parte del mio lavoro c'era un
ingegnere con degli occhi tristi e gentili, il più
aperto e disponibile tra gli addetti che avevo
incontrato. Stava ispezionando la demolizione
di alcuni edifici, tra cui alcuni ai quali aveva
collaborato per la progettazione anni addietro.
La forza lavoro di 1.200 uomini era stata
ridotta a 11, in uno stabile quasi vuoto.
«Appena arrivato mi portò a fare un giro
dell'area spiegandomi quale fase del processo
di creazione di nitrogeno si fosse svolta in
ogni edificio e quali fossero le mansioni degli
operai. In uno spazio molto vasto simile a
una collinetta per lanciatori di baseball mi spiegò che
sotto ai nostri piedi si trovavano sepolte tonnellate di
rifiuti tossici talmente pericolosi da non poter essere
eliminati. I rifiuti erano stati sepolti in una fossa rivestita
con teli in plastica e ricoperta con della terra.
«Quel giorno pioveva e cosi gli chiesi se l'acqua
piovana scorrendo non potesse disperdere le scorie e
contaminare le acque della laguna. Lui mi rispose rapidamente
che alla base della fossa c'era uno strato
di argilla sufficiente ad impedire la dispersione nel
bacino lagunare».
Ci sembra in conclusione che questa fotografia — e
con essa l'intero progetto presentato nei due volumi
— possa rappresentare una nuova frontiera di impegno
civile: documentare le trasformazioni di un territorio
e soprattutto mostrarle a cittadini sempre più
distratti per una società civile non è cosa da poco.
Specie là dove abusivismo e inquinamento sono in
agguato.
nei» dove verrà evidenziato il profilo artistico
e umano dei maggiori cultori dell'arte
del tempo: Ferrazzi, De Pisis, Soffici,
Modigliani, Morandi, Baj (il comico),
Burri (il tragico) ecc.
Un estroverso campionario di figure
che a buon diritto vanno considerate capisaldi
della figurazione italiana del XX
secolo; un brillante regesto dimostrante
la polivalenza di un intelletto vivo, sapiente,
acutissimo. Artista di elevatissima
cultura, Virgilio Guzzi, rimane quale
interprete di tutto rispetto di un'epoca
segnata da più passaggi ideologici, stilistici,
che l'Artista portò a compimento
nel proprio iter perfettamente inserendolo
nel progressivo svolgimento di idee e
fatti segnati dalla Storia.
Appuntamenti
culturali
Roma, 20 gennaio
«Musiche Danze
e Temi Sacri»
Il 20 gennaio alle ore 19, nella
Basilica di S. Maria degli Angeli
e dei Martiri, verrà rappresentato
lo spettacolo «Musiche
Danze e Temi Sacri».
Roma, 21 gennaio
Vincenzo
Castella
«Società
Italiana Vetro»
Lewis Baltz
«Il villaggio
La Malcontenta»
L'impressione di trovarsi di fronte a fotografi che si
identificano con il territorio e rifuggano da proposte
formali o ornamentali si rafforza guardando anche le
immagini del secondo volume, il più recente.
Del resto, in materia la fotografia americana può
vantare una tradizione. Attestati sulla soglia concettuale
che si apre sul confuso scenario fotografico contemporaneo,
Robert Adams, Lewis Baltz, William Eggleston,
John Gossage e Stephen Shore, per la complessità
e l'eccezionale coerenza delle loro ricerche,
sembrano più di altri evidenziare la feconda inquietudine
di una fotografia che riflette su se stessa, non
trovandosi in pace nell'ambiente che esplora.
«Certamen Vaticanum»
Il Palazzo della Cancelleria
Apostolica sarà sede, il 21 gennaio
alle ore 16.30, dell'annuale
«Festa del Latino» e della
XXXXIII edizione del «Certamen
Vaticanum».