anatole jakovsky (1907/1909 ? – 1983) - Bibliothèque Kandinsky

La trajectoire d’un critique d’art au XXe siècle.
Les vents bariolés planent au-dessus de la terre illuminée par les corps qui s’aiment.
Silence de nuit au déclin, - silence découpé par les échos des tam-tams s’éloignant. La terre
gémit ; elle s’étouffe dans les nuages de buée secoués par les rythmes convulsifs, elle
chevauche dans son inquiétude les herbes et les tiges de plantes avec ses doigts électrisés, elle
transpire les lumières migratrices de Saint-Elme et reste finalement immobilisée après la
dernière décharge.
La bacchanale nègre aussitôt terminée, les astres descendus pour un instant sur la terre
remontent lourdement vers leur firmament.
Encore un instant peut-être, et tout ce qui apparaissait miraculeux dans ce tableau, tout
le sens incandescent des formes et des couleurs, tout leur sens dévoilé pour l’instant, – la
révélation instantanée s’obscurcit, s’éloigne de nouveau ; – le fil extrêmement fin qui existait
entre le spectateur et l’auteur, fil capillaire entre l’origine et la réalisation de l’œuvre d’art, se
rompt et la figuration minima qu’il conserve s’atrophie, se cache entièrement devant les yeux
non initiés, car ici il ne s’agit que d’un désaxement presque infinitésimal pour que le texte
secret soit perdu pour jamais et que le tableau devienne abstrait sans réserves, c’est-à-dire non
figuratif. Un jeu de matières, des techniques, des rythmes et des éclairages. Sans sujet.
Et cette métamorphose, provenant d’un léger déplacement de la crémaillère de l’esprit,
de l’apparition soudaine d’un autre foyer de la conscience, c’est le sort de la beauté furtive, de
la beauté solitaire qui touche les zones oniriques de la beauté sans lecture immédiate et surtout
irrationnelle, le sort de chaque beauté subtile qui n’est qu’un prétexte pour l’improvisation et
la récréation de ses propres idées – la beauté, libre jeu d’imagination inguérissable, rêverie
auréolée, réservés aux milliers d’explications, aux milliers d’éclairs…
Pour commencer à parler de Vulliamy, il faut une fois de plus revenir à l’art nègre.
L’époque cubiste, l’époque du laboratoire au sein de laquelle se cristallisait une
nouvelle peinture murale, une autre conception de la peinture non figurative, - le temps orné
de guitares disséquées, comme la vie décorée à l’excès et fictive, manifestait son premier
amour pour l’art nègre. Amour parallèle à celui de Degas pour les estampes japonaises.
Il s’agissait d’un écart vers le décor pur, composé d’éléments dissociés de la nature et
la beauté intégrale et inimitable d’un masque nègre, sa pesanteur, sa construction et ses
ornements deviennent l’alibi pour toutes les recherches.
Autrefois, - la génération précédente avait cherché le mouvement, le raccourci et les
coulisses déplacées des paysages stylisés de l’art japonais pour détruire l’homogénéité et
l’immense vérité de la vision d’un Courbet, – maintenant se servant de l’art dit « sauvage » on
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