Buch downloaden (.pdf, ca. 4.1 MB) - Bert Beitmann

Symmetrie und idealer Proportionen als Ausdruck der göttlichen Schöpfung
erreicht werden. Die Welt galt in ihrer Schönheit als ein Kunstwerk des
göttlichen Genius. Alberti berief sich bei diesen Vorstellungen auf Vitruv und
damit auf die Antike. Idealmodelle sollten diese Ansichten untermauern (u.a.
auch für die Gartenkunst).
Man glaubte die „Gesetzmäßigkeiten des Schönen“ in der Natur zu finden. Die Naturstudien
Leonardos haben hier ihren geistigen Hintergrund. Die Kunst vervollkommnete nur diese
Gesetzmäßigkeiten durch ihre Vorstellungs- und Erfindungskraft. Mit dem Interesse an der
Natur entstand auch ein Interesse für die Landschaft.
In dieser Zeit emanzipierten sich die Künstler aus den Zwängen der Zünfte. Sie entwickelten
sich von einem Gottesdiener zu einem selbstbewusst gestaltenden Subjekt. Alberti forderte
deshalb für sie einen hohen Bildungsstand (u.a. Kenntnisse in der Dichtung, Mythologie,
Ikonographie und der Geschichte). Es entstanden Akademien, die die intellektuellen und
wissenschaftlichen Aspekte der Kunst lehrten (Florenzer Akademie ab 1459). Ihre Lehrinhalte
galten bis 1762 und nutzten z.B. als Orientierungsvorbild für die Maler und Bildhauer die
Rhetorik und Poetik. Das darin festgelegte Konzept lautete: „Inventio – compositio –
elocutio“ (Grundkonzept – konkrete Gliederung des Stoffes – detaillierte Ausgestaltung).
Dabei lag der Schwerpunkt des Unterrichts bei der „inventio“, als dem kreativen Aspekt. Ihre
Betonung führte zu einem Versuch der Hierarchisierung der Künste untereinander (Paragone)
und innerhalb der einzelnen Gattungen nach ihrem Darstellungsinhalt (an erster Stelle
Historienbilder, an letzter die Stillleben). Die praktische Ausbildung erfolgte bis ins 19. Jh.
bei handwerklich orientierten Meistern.
Im berühmten Paragone-Streit in Italien (15. u. 16. Jh.) geht es um die Vorrangstellung der
Malerei oder Bildhauerei. Beide hatte man bis dahin nur als Handwerk angesehen (für sie
hatte es deshalb auch keine antiken Musen gegeben). Um 1390 hatte Cennino Cennini für die
Malerei eine Sonderstellung gefordert, weil sie auf einem Schöpfungsakt beruhe und vom
Betrachter geistige Voraussetzungen verlange, um sie zu verstehen. Auch für Alberti war sie
die Mutter aller Künste, weil ihre Regeln auch für alle anderen Künste bindend seien. Er
sprach aber jeder Kunstdisziplin ihre eigenen Zielsetzungen und Ausdrucksformen zu.
Leonardo baute dann auf Albertis Schrift „Della Pictura“ (1436) auf und stellte die Malerei
vor alle anderen Künste, weil die Mathematik, Geometrie und Arithmetik mit ihren großen
Zuverlässigkeiten ihre Dienerinnen seien und das Auge von allen Sinnen die größte
Bedeutung habe. Im Vergleich zur Poesie und Musik leiste sie nicht nur einen unmittelbaren,
sondern auch einen bleibenden ästhetischen Eindruck. Der Maler sei das Verbindungsglied
zwischen Natur und Kunst. Die Bildhauerei sei geringer zu bewerten, weil sie mit einem
größeren körperlichen Aufwand und Schmutz verbunden sei.
Die Bildhauer führten für ihre Arbeiten besonders deren Vielansichtigkeit an (damit deren
Voraussetzung für ihre freie Aufstellung) und die größere Zuverlässigkeit des Tastsinnes
gegenüber dem Auge. Weiter sahen sie die größere Naturnähe ihrer Arbeiten, deren geringere
Vergänglichkeit und ihre Fähigkeit einen eigenen Schatten zu besitzen, während die Malerei
nur mit Illusionen arbeite.
(dieser Streit erregte lange Zeit die Gemüter und wurde erst durch Lessing in seinem
berühmten Laokoon-Aufsatz beendet. Er stellte darin die Unvergleichbarkeit der beiden
Gattungen fest und das sie für einen Vergleich keine gemeinsame Basis besitzen).
In der Renaissance tritt das Individuum zum ersten Mal in das Bewusstsein der Menschen, das
sich ab jetzt an einem humanistischen Gedankengut zu orientieren beginnt. Die Künstler
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