Buch downloaden (.pdf, ca. 4.1 MB) - Bert Beitmann

Bei Nietzsche standen beide Kräfte in einem Wechselbezug. Diese Haltung ging später zu
Gunsten eines einfachen Dualismus verloren. Der Einfluss Nietzsche auf die moderne Kunst
kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Ohne sein Denken wären die Avantgarde, die
Expressionisten oder Surrealisten in den dann entstandenen Formen nicht möglich gewesen
(aber auch nicht die Verherrlichung des Krieges durch Ernst Jünger oder manche Gedanken
im Nationalsozialismus). Er verherrlichte das Schöne als einen Ausdruck des Apollinischen.
Es besaß bei ihm als ein „Schein des Absoluten“ einen die Welt verklärenden Charakter. Es
war in diesem Zusammenhang das erste große Versagen der Gartenkunst gewesen, dass sie
damals ihre dionysische, archetypische Bedeutung nicht erkannt und in ihren Arbeiten hat
umsetzen können (siehe dazu das Kapitel „Lebensreform“).
Impressionismus:
Der Wandel in der Kunstauffassung begann mit der Unzufriedenheit mit dem Überlieferten.
Seine Etappen bis zur Malerei der Moderne waren (beispielhaft gewählt, weil sie unter den
Kunstdisziplinen die bekannteste ist):
- Romantik: Neubewertung des subjektiven Wahrnehmens. Damit wird der
Zerfall der klassischen Kunstvorstellung eingeleitet. Es entsteht eine neue
Beziehung zur Welt.
- Courbets Ausstellung (1855): Sein inhaltlicher und formaler Realismus
verstößt gegen den bestehenden Kanon der Akademien.
- Impressionisten: Neue Farbigkeit und Interpretation rasch wahrgenommener
Eindrücke. Statt der Beherrschung anerkannter Techniken und Regeln wird
jetzt auf Originalität und Innovation gesetzt. Die Kunst wird als Ort des
Individuellen verstanden. Damit besitzt sie hier bereits die Grundhaltung der
Lebensreformbewegung.
Manet: Radikalisierung der Hinwendung zur Gegenwart.
Monet: Motiv verschwindet langsam zugunsten der Farbe (allerdings auch
wegen seiner zunehmenden Altersblindheit)
- Mit dem Aufkommen der Fotographie (ab 1839) und den neuen Erkenntnissen
der Physik verändert sich auch die Wahrnehmung der Welt. In der Kunst
wendet man sich von der Abbildung zur Interpretation der Wahrnehmungen.
Bis zum Impressionismus erfolgte die Bewertung von Kunstwerken durch Akademien (und
hier besonders durch die Pariser). Ihre Ausstellungen (Salons) entschieden weitgehend über
den Erfolg oder Misserfolg eines Künstlers. Sie bestanden aus einer Jury (letztlich einer
Nebenbehörde der Regierung), die die Kriterien für die Bewertung der Arbeiten der Künstler
festlegte. Öffentliche Aufträge und Ankäufe erhielten praktisch nur die von ihr preisgekrönten
Künstler. Da sich die Impressionisten gegen die akademische Malerei stellten, wurden ihre
Arbeiten abgewiesen. Sie organisierten daraufhin ihre eigenen Ausstellungen.
Nach dem Zerfall der Akademien entstand ein eigenständiges Gefüge, die Kunst zu
definieren. Diese Aufgabe übernahmen jetzt der Kunsthandel, die Kunstkritik und die Museen
in einem komplexen Prozess des Abwägens. An die Stelle einer einheitlichen Kunstvorstellung
setzte deren Aufsplitterung ein (bis hin zur heutigen Beliebigkeit). Die Kunst wurde
zu einer nach den Prinzipien der Gewinnmaximierung gehandelten Ware, deren Verständnis
weitgehend nur noch über eine inhaltliche (und interessengebundene) Kunstvermittlung
möglich ist, d.h. ohne einen Vermittler inhaltlich nicht mehr nachvollzogen werden kann. Erst
die neuen Kunstinstitutionen ermöglichten die heutige Autonomie der Kunst. Als solche
erlangte sie für das Bürgertum den Orientierungswert einer Religion mit einem
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