Buch downloaden (.pdf, ca. 4.1 MB) - Bert Beitmann

- erst danach auf ihren ästhetischen Reiz.
Einzelne Pflanzen wurden bestimmten Göttern zugeordnet und begleiteten die kultischen
Handlungen zu ihren Ehren. Düfte sollten Verbindungen zu ihnen, zum „Göttlichen“
schaffen. Pflanzen begleiteten symbolisch die Menschen von ihrer Geburt bis zu ihrem Tode.
Jeder kennt die
- Rose als Symbol der Liebe (einst die Symbolpflanze der Liebesgöttinnen),
- Lilie als Symbol der Unschuld und Reinheit.
Auf einem Gartenfresko im Haus der Kaiserin Livia (Gattin des Kaisers Augustus) sieht man
Granatäpfel, rote Rosen und Margeriten. (die Granatäpfel standen hier für Eheglück und
Fruchtbarkeit). Auch im ganzen Mittelalter wurden die Aussagen der Bilder weitgehend von
der Kombination ihrer Pflanzensymbole abgeleitet. Besonders beliebt waren Veilchen,
Akeleien und wilde Erdbeeren (Veilchen = Symbol der unschuldigen Liebe; Akelei = Symbol
des Heiligen Geistes und der Erlösung nach dem Tode; wilde Erdbeeren = Symbol der Demut
und Keuschheit; evtl. auch bei Betonung des Blattes = Symbol der göttlichen Dreieinigkeit).
Am Anfang der Renaissance (Florentiner) orientierte man sich an den alten Beschreibungen
römischer Gärten. Die Pflanzungen bauten sich wie die Entwürfe symmetrisch auf. Ab der
Mitte des 16. Jhs. löste der Buchsbaum die bisherigen kurzlebigen Kräuter ab. Gemusterte
Pflanzungen wurden beliebt. Bramante entwickelte für den Belvedere-Garten seine
Zentralperspektive mit ihrer Achse und den quer zum Hang gebauten Treppenanlagen (das
Vorbild für viele nachfolgende Anlagen in ganz Europa). Zwar veränderte sich der damalige
italienische Garten im Laufe der Zeit, doch sein Pflanzensortiment blieb relativ gleich.
Im Barock erreichte der formale Garten dann seinen Höhepunkt. Zunehmend wurden
eingeführte ausländische Pflanzen verwendet, da den heimischen deren farbliche
Ausdrucksstärke fehlte. Die Pflanzungen wurden zum Spiegel der jeweils neu bekannt
gewordenen Arten. Die seit der Renaissance bestehende Mode der Wunderkammern fand im
Garten ihre botanische Fortsetzung. Ein Höhepunkt des Barockgartens war Versailles wegen
seiner Gigantomanie, aber auch wegen Le Nôtres Gespür für Proportionen.
Im 18. Jh. wurde die Natur dann im Landschaftsgarten zum unmittelbaren Vorbild. Eine
idealisierte Landschaft wurde zum Gestaltungsziel. Die Grundhaltung gegenüber der Natur
hatte sich geändert. Man sah sich nicht mehr als ihr Herr, sondern als ein Teil von ihr. Ihre
großen Gestalten waren in England: Kent, Brown und Repton, in Deutschland: Sckell, Lenné
und Pückler. Im Laufe der Zeit gewann das „Gärtnerische“ Überhand über das Gestalterische.
Mit dem Beginn des 20 Jhs. beginnt die Zeit des Reformgartens. Man versucht auf die
vorangegangenen Entwicklungen zu reagieren. Auf die Mode der Teppich-Beete folgte als
Gegenreaktion zunächst eine architektonische Phase einerseits, begleitet von Pflanzbeeten in
intensiven Komplementärfarben (Repräsentanten in England: R. Blomfield, in Deutschland
Muthesius und Schulze-Naumburg) und eine verstärkt naturbezogene, im gewissen Sinne
konservative, andererseits (Repräsentanten in England Robinson, dessen Gedanken die
Malerin Jekyll in ihre Gartenentwürfe übertrug und in ihren Schriften verbreitete. Sie
kombinierte Stauden mit heimischen Gehölzen, beachtete verstärkt deren Blätter und Blüten
und achtete besonders auf die Harmonie der Farben bei ihren Rabattengestaltungen. In
Deutschland war dies Lange, dessen Gedanken besonders Foerster in seiner züchterischen
Arbeit aufgriff und in seinen Büchern verbreitete. Ihren gestalterischen Ausdruck fanden sie
in der sogenannten „Bornimer Schule“ (Mattern, Hammerbacher u.a.)). Der Reformgarten
war gekennzeichnet von einem neuen Naturverständnis, einer neuen Funktionalität: der
Mensch ist in ihm nicht mehr der Herr über die Natur, nicht mehr ihr bewundernder
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