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deutlich in der Form von Proportionen und Rhythmen. Die Schönheit ist hier
noch eine Eigenschaft der Gegenstände, nicht eine der Betrachtung. Sie ist
etwas vom Menschen Unabhängiges. Ein Künstler kann über die Nachahmung
der Natur (Mimesis) indirekt ein Abbild von ihr schaffen und damit an ihren
ewigen Gesetzen teilhaben).
Bei Aristoteles führt der Künstler die in der Natur befindlichen inneren Gesetze nach außen
und macht sie dadurch sichtbar. Die Kunst ist damit der Natur überlegen.
Die Antike verband die Kunst mit dem Schönen. Sie war das Abbild ewiger Urbilder. Noch
Winkelmann forderte für die Klassik die Vernachlässigung des Individuellen,
Charakteristischen zugunsten der Herausstellung des Allgemeinen, allerdings eines Ideals,
dessen Urbild sich im Menschen selber befand. Bei Paul Klee hieß dies dann „Kunst gibt
nichts Sichtbares wieder, Kunst macht sichtbar“.
Im Mittelalter war an die Stelle der antiken Kosmologie die christliche Heilslehre getreten, für
die Harmoniegesetze auch als Gottesbeweise herangezogen wurden (Anselm von Canterbury).
Die freien und technischen Künste dienten der Verherrlichung Gottes. Eine besondere
Stellung kam dabei der Architektur zu, weil sie die Ausdrucksformen der göttlichen Gesetze
(Proportionen) unmittelbar zum Ausdruck brachte (Vorwegnahme der göttlichen Welt auf
Erden). Über das Schöne glaubte man sinnlich die göttliche Wahrheit erkennen zu können.
Der Künstler war ein Dienender vor Gott.
Kant setzte nach seiner Analyse ästhetischer Urteile die Schönheit von Natur und Kunst als
gleichwertig. Hegel dagegen stellte das Kunstschöne über das Naturschöne, weil es aus dem
Geist geboren ist und der Geist höher als das Naturschöne ist.
Im 20. Jh. trennen sich dann
- Kunstgewerbe (direkte ästhetische Herstellung von Gebrauchsgegenständen),
- Design (ästhetischer Entwurf für die Massenproduktion),
- Hochkunst.
Die wichtigsten Veränderungen gegenüber der Tradition waren der/die/das
- Wandel des Werkcharakters
(Kunst muss nicht mehr etwas „Bleibendes“ sein. In früheren Jahrhunderten hat
man mit diesem Argument die Zugehörigkeit der Gartenkunst zu den Künsten
bestritten. Viele Arbeiten sind heute auf eine ständige Veränderung, ja
Selbstzerstörung hin ausgerichtet. Bei manchen wird sogar eine Beteiligung der
Betrachter verlangt).
- Wandel der Beziehung zwischen Bild und Betrachter
(nach Serra muss der Betrachter seine Beziehung zur modernen Kunst selber
herstellen. Es wird ein Impuls gegeben, und man muss sich dafür oder dagegen
entscheiden. Der Betrachter kann mit der Arbeit machen, was er will).
- Ausstellungsräume wurden zu Möglichkeitsräumen mit einem unbestimmten
Gehalt.
- „Verunschärfung“ der Objekterfahrung,
- Spannungsverhältnis zwischen amerikanischer und europäischer Moderne.
Das Kunstwerk reduzierte sich zu einem mehr oder weniger unverbindlichen
„vorstrukturierten ästhetischen Erfahrungsangebot“. Indem für den Betrachter der Gegenstand
der Betrachtung sich jetzt zu einem Ort der Erfahrung wandelte, zeichneten sich für die
Gartenkunst unglaublich viele Möglichkeiten ab (die sie nicht nutzte!!). Noch nie bestanden
in der Kunst so viele Freiheiten wie heute.
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